Arte sovietica: differenze tra le versioni
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L''''arte sovietica''' è l'arte visiva che è stata prodotta
▲[[File:Death_of_a_Commissar_(Petrov-Vodkin).jpg|miniatura|287x287px|''Morte di un commissario politico'', K. Petrov-Vodkin, 1928.]]
▲L''''arte sovietica''' è l'arte visiva che è stata prodotta in [[Unione Sovietica]], caratterizzata dall'enorme ruolo dell'ideologia comunista nel suo sviluppo. Parallelamente, l'arte non ufficiale dell'URSS si sviluppò negli anni cinquanta.
== Primi anni (1917-1922) ==
=== Avanguardie ===
[[File:Lenin_attempt.jpg|destra|
Durante la [[Rivoluzione d'ottobre]], nacque un movimento per porre tutte le arti al servizio della [[dittatura del proletariato]]. Lo strumento per tale scopo fu creato pochi giorni prima della rivoluzione e divenne noto come il [[Proletkult]], di cui un teorico prominente fu [[Aleksandr Aleksandrovič Bogdanov|Aleksandr Bogdanov]]. Inizialmente, il [[Commissariato del popolo per l'istruzione]] (Narkompros), incaricato delle arti, appoggiò il Proletkult ma in seguito quest'ultimo guadagnò una maggior indipendenza dal [[Partito Bolscevico]], ottenendo la diffidenza di [[Lenin]]. Nel 1922, il Proletkult subì un declino e venne dismesso nel 1932, ma le idee del movimento riuscirono ad attrarre l'interesse dell'[[avanguardia russa]] che cercava di allontanarsi dalle convenzioni dell'arte borghese. Tra le persone più importanti di questo movimento, si può citare [[Kazimir Severinovič Malevič|Kazimir Malevič]]. Tuttavia, le idee dell'avanguardia sparirono con l'emergere del realismo socialista sostenuto dallo Stato.
In cerca di nuove forme espressive, l'organizzazione del Proletkult era altamente eclettica nella sua arte, e di conseguenza fu prona alle aspre critiche per l'inclusione delle correnti più moderni come l'[[impressionismo]] e il [[cubismo]], dato che questi movimenti esistevano ben prima della rivoluzione e venivano quindi associati con la "decadente arte borghese". Tra i primi esperimenti del Proletkult vi era l'[[estetica pragmatica]] dell'arte industriale, teorizzata da Boris Arvatov. Un altro gruppo è stato il poco longevo [[UNOVIS]], formato da giovani artisti influenti guidati da Malevič negli anni venti.
=== Politica del governo sull'arte ===
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{{Citazione|L'arte appartiene al popolo. Deve avere le sue radici più profonde nel folto delle masse lavoratrici, deve essere compresa da queste masse e amata da loro. Dovrebbe esprimere i sentimenti, i pensieri e la volontà di queste masse, allevarli. Dovrebbe risvegliare gli artisti in loro e svilupparli.<ref>{{Cita libro|autore=Lenin|titolo=Sull'arte e sulla letteratura}}</ref>}}
I compiti principali dell'arte sovietica erano quindi quelli di servire il popolo, sostenere la causa comune della lotta per il socialismo e il comunismo, portare la verità alle persone e dare vita alla loro creatività,<ref name="S293">{{Cita|Sarab’janov|pp. 293-298}}.</ref> nonché diffondere gli ideali di multi-nazionalità.
Già nei primi mesi dopo la salita al potere, il governo bolscevico adottò una serie di risoluzioni importanti per lo sviluppo della cultura:
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* Il 26 novembre 1918 fu emanata la legge "Sul riconoscimento delle opere scientifiche, letterarie, musicali e artistiche come proprietà statale".
All'inizio, il governo bolscevico nazionalizzò i musei artistici, le collezioni private e le gallerie (come la [[Galleria Tret'jakov|Tret'jakov]] di Mosca o l'[[Ermitage]] e il [[Museo russo]] di [[Pietrogrado]]). Il [[Cremlino
Nel 1918, Lenin emise il decreto "Sui monumenti della repubblica", annunciando un piano per influenzare le masse tramite le sculture. In breve tempo, i migliori scultori sovietici realizzarono numerosi monumenti dedicati ai leader della rivoluzione e alle figure più importanti della cultura socialista e russa. Sfortunatamente, la maggior parte di queste opere non è riuscita ad arrivare ai giorni nostri a causa dell'economicità e della scarsa qualità dei materiali utilizzati.<ref name="S293" />
=== Manifesti politici ===
[[File:
Gli stili artistici nati per essere esposti nelle vie, nei primi anni dopo la rivoluzione, ebbero un ruolo cruciale nel "plasmare la coscienza sociale ed estetica del popolo rivoluzionario". Pertanto, insieme alla scultura monumentale, i manifesti politici ricevettero uno sviluppo maggiore, essendo considerati come la forma d'arte più mobile ed efficace.<ref name="S298">{{Cita|Sarab’janov|pp. 298-302}}.</ref>
Durante la [[Guerra civile russa|guerra civile]], i manifesti erano caratterizzati da una rappresentazione chiara e nitida che permetteva una reazione immediata ad eventi in rapida evoluzione, facilitando l'[[Agit-Prop|agitazione]]. Il linguaggio plastico era dato da qualità come il laconismo, uno stile unico per ogni immagine, la forma e l'azione chiara.<ref name="S298" /> I manifesti venivano stampati in grandi formati e collocati ovunque, anche nei luoghi di lavoro.
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I primi manifesti politici, realizzati nel 1918 dal [[Comitato esecutivo centrale panrusso]], avevano delle dimensioni ridotte, con 4-6 colori, e si basavano sulle tradizionali stampe popolari dal disegno narrativo e dettagliato. [[Aleksandr Petrovič Apsit|Aleksandr Apsit]] contribuì alla loro realizzazione: nei suoi manifesti vi è una notevole "tendenza simbolico-allegorica dell'arte sovietica di quel tempo. Qui si formò l'immagine del capitalismo sotto forma di un drago e di un'intera razza di altri mostri, e il cavaliere alato con una torcia in mano divenne un simbolo di libertà."<ref name="S298" />
Nell'autunno del 1918, i manifesti iniziarono ad essere pubblicati dal PUR ({{russo|Политическое управление реввоенсовета республики|Političeskoe upravlenie revvoensoveta respubliki}}, Direzione politica del Consiglio militare rivoluzionario della Repubblica) e dalla Casa editrice statale ({{russo|Государственное издательство|Gosudarstvennoe
* [[Dmitrij Stachievič Orlov]]: inviato al PUR nel 1919, realizzò i manifesti ''Prežde odin s soškoj, semero s ložkoj,
* [[Viktor Nikolaevič Deni]]: creò dei manifesti narrativi, spesso con testi poetici di [[Dem'jan Bednyj]]. Tra le sue opere vi sono ''Denikinskaja banda'' (1919) e ''Ili
* Nelle repubbliche sorelle, vi erano A. A. Azimzade ([[RSS Azera]]), Akop Kodžojan, K. Alabjan e S. Аrakeljan ([[RSS Armena]]).
Un ruolo importante nello sviluppo dei manifesti fu quello delle vignette satiriche ''Okna ROSTA'' ([[Finestre della ROSTA]]), alle quali [[Michail Michajlovič Čeremnych|Michail Čeremnych]] e [[Vladimir Vladimirovič Majakovskij|Vladimir Majakovskij]] diedero un contributo importante. Questi manifesti venivano stampati e dipinti a mano con didascalie poetiche sul tema del giorno e giocarono un ruolo enorme nella [[Propaganda in Unione Sovietica|propaganda politica]] diventando una nuova forma di arte figurativa.<ref name="S298" />
=== Decorazione delle città nelle feste ===
La decorazione delle città durante le festività civili divenne un altro fenomeno dell'arte sovietica, ripetuto annualmente in occasione dell'anniversario della Rivoluzione d'ottobre, della [[Festa del lavoro]], della [[Festa della donna|donna]] e altre feste sovietiche.<ref name="S302">{{Cita|Sarab’janov|pp. 302-303}}.</ref>
Nacque quindi una nuova forma d'arte, grazie alla quale la pittura acquisì un nuovo spazio e nuove funzioni. Per le festività venivano creati quadri monumentali caratterizzati da un forte pathos, e gli artisti creavano delle bozze per la progettazione di piazze e strade.<ref name="S302" />
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=== Pittura e grafica ===
[[File:Petrograd_Madonna_(Petrov-Vodkin).jpg|
[[File:Rylov_Blue_Expanse.jpg|miniatura|''Nella distesa blu'', A. Rylov.]]
Nei primi anni del regime, molti degli artisti si erano già formati prima della rivoluzione e "il contatto con una nuova vita veniva associato a delle notevoli difficoltà".<ref name="S303">{{Cita|Sarab’janov|pp. 303-304}}.</ref> Un esempio di tale scontro può essere ritrovato nelle opere di [[Nikolaj Ivanovič Fešin|Nikolaj Fešin]] create tra il 1917 e il 1923 prima della sua partenza per gli [[Stati Uniti d'America|Stati Uniti]].<ref>{{Cita libro|autore=Pëtr Maksimilianovič Dul’skij|titolo=Библиотека иллюстрированных монографий отдела изобразительных искусств Казанского народного комиссариата по просвещению|anno=1921|editore=Казанское отделение государственного издательства|capitolo=Н. Фешин}}</ref>
Gli studi sull'arte sovietica dividono i maestri della pittura sovietica di questo periodo in due gruppi:
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Durante la [[prima guerra mondiale]], molti architetti rimasero senza lavoro e poterono impegnarsi soltanto nella progettazione, mentre alcuni riuscirono a collaborare con gli scultori nella creazione di monumenti, come [[Lev Vladimirovič Rudnev|Lev Rudnev]] che realizzò un'opera "Alle vittime della repressione" per il Marsovo pole di Pietrogrado.
[[Vladimir Evgrafovič Tatlin|Vladimir Tatlin]] concepì nel 1920 il celebre [[Monumento alla Terza Internazionale]]: ideato come sede in stile [[Costruttivismo (arte)|costruttivista]] per il [[Comintern]] a Pietrogrado, divenne un simbolo della nuova direzione artistica sovietica ed un'espressione di coraggio e determinazione della ricerca.<ref name="S305">{{Cita|Sarab’janov|p. 305}}.</ref> Secondo alcuni, la torre avrebbe dovuto rappresentare le aspirazioni della nascente Unione Sovietica<ref name="C716">{{Cita libro|autore=Francis D. K. Ching|titolo=Global History of Architecture|url=https://archive.org/details/globalhistoryofa0000chin_d9i6|anno=2011|p=[https://archive.org/details/globalhistoryofa0000chin_d9i6/page/716 716]}}</ref> e una sfida alla [[Torre Eiffel]] come simbolo della modernità.<ref>{{Cita libro|autore=William H. McNeill|autore2=Jerry H. Bentley|titolo=Berkshire Encyclopedia of World History|anno=2005|isbn=978-1-933782-65-2}}</ref> Il critico sovietico Viktor Šklovskij lo definì come un monumento "fatto di acciaio, vetro e rivoluzione".<ref name="C716" />
=== Porcellane ===
[[File:S.v._chekhonin,_piatto_rivoluzionario_con_slogan_'Il_govenro_dei_lavoratori_e_dei_contadini_non_finirà_mai',_1920.JPG|
Insieme ai manifesti, le porcellane sovietiche
La prima porcellana sovietica fu creata tra il 1918 e il 1923 da un gruppo di artisti guidato da [[Sergej Vasil’evič Čechonin|Sergej Čechonin]] presso la fabbrica statale Lomonosov. La porcellana impiegava nuove immagini e colori e venivano firmate con un marchio emblematico creato appositamente.
[[File:DankoFahnenstickerin.jpg|alt=|sinistra|
L'arte della propaganda monumentale influenzò anche quella della porcellana, relegando al piatto la stessa funzione di un poster o di un volantino propagandistico. I piatti assunsero il ruolo di diffondere un nuovo stile di vita socialista incentrato sul lavoro, sullo studio e sul riposo. I temi della riorganizzazione della società, l'industrializzazione, la [[Collettivizzazione in Unione Sovietica|collettivizzazione]], la politica estera e la rivoluzione culturale iniziarono a comparire tramite le decorazioni sulle stoviglie destinate alle masse.
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Molto spesso, le porcellane di propaganda venivano esposte nelle mostre sovietiche e internazionali, oltre che nelle vetrine dei negozi.
In quel periodo l'arte della porcellana veniva riconosciuta come l'arte del futuro ed era indirizzata ad un [[Nuovo uomo sovietico|nuovo uomo]] appartenente ad una società di creativi liberi dal [[consumismo]].
== Anni venti ==
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==== AChRR ====
[[File:Brodski_lenin.jpg|
Fondata nel 1922, l'[[Associazione degli artisti della Russia rivoluzionaria]] ({{russo|Ассоциация художников революционной России, АХРР|Associacija chudožnikov revoljucionnoj Rossii, AChRR}}) era composta da ex artisti itineranti i cui stili ebbero una grande influenza sull'approccio artistico in generale del gruppo, basato su un linguaggio quotidiano e realistico vicino al popolo. Oltre ai dipinti dettati principalmente da ideali rivoluzionari, l'AChRR organizzò anche mostre tematiche come "Vita e vite dei lavoratori" o "Vita e vite dell'Armata Rossa".<ref name="S307">{{Cita|Sarab’janov|pp. 305-307}}.</ref>
I principali maestri e artisti del gruppo sono stati: [[Isaak Izrailevič Brodskij|Isaac Brodskij]], [[Georgij Georgievič Rjažskij|Georgij Rjažskij]], il ritrattista [[Sergej Vasil’evič Maljutin|Sergej Maljutin]], [[Abram Efimovič Archipov|Abram Archipov]], [[Vasilij Nikolaevič Jakovlev|Vasilij Jakovlev]] e [[Mitrofan Borisovič Grekov|Mitofan Grekov]].<ref name="S307" />
==== OST ====
La ''Obščestvo chudožnikov-stankovistov'' ({{russo|Общество художников-станковистов}}) venne fondata nel 1925 e incluse artisti meno conservatori dal punto di vista della pittura che sostenevano la rinascita e lo sviluppo dei quadri realizzati su un cavalletto, non facendosi guidare dal realismo ma bensì dall'esperienza degli espressionisti. Le tematiche degli artisti della OST riguardavano l'industrializzazione, la vita quotidiana e lo sport.<ref>{{Cita|Sarab’janov|pp. 307-310}}.</ref>
Tra i pittori della OST vi erano: [[
==== ''Četyre iskusstva'' e OMCh ====
La ''Četyre iskusstva'' ({{russo|Четыре искусства||Quattro arti}}) venne fondata da artisti che avevano precedentemente fatto parte della ''[[Mir iskusstva]]'' e della ''Golubaja roza'', che si occupavano della cultura e del linguaggio della pittura. Tra i membri più importanti dell'associazione vi erano: [[Pavel Varfolomeevič Kuznecov|Pavel Kuznecov]], [[
La ''Obščestvo
La creatività di questi due gruppi era il risultato dell'adattamento dei maestri della vecchia generazione alle nuove realtà moderne. Negli anni venti si tennero due mostre importanti che consolidarono i movimenti in occasione del decimo anniversario della Rivoluzione d'ottobre e dell'Armata Rossa, nonché della "Mostra d'Arte dei Popoli dell'URSS" (1927).<ref name="S310" />
==== Scuole nazionali di pittura ====
Lo stato sovietico promosse lo sviluppo dell'arte nazionale nelle varie repubbliche dell'URSS, inviandovi i maestri russi per formare nuovi gruppi artistici: Lansere andò nella [[RSS Georgiana]], [[Pavel Petrovič Ben’kov|Pavel Ben'kov]] nella [[RSS Uzbeka]], [[Semën Afanas’evič Čujkov|Semën Čujkov]] nella [[RSS Kirghiza]] mentre [[Nikolaj Gavrilovič Chludov|Nikolaj Chludov]] nella [[RSS Kazaka]]. In questi territori venne incoraggiata la rinascita di varie forme d'arte decorativa e le regioni islamiche furono esentate dal divieto religioso riguardo
In Asia centrale e nella [[RSS Azera]], la pittura su cavalletto venne reinventata da zero.<ref>{{Cita|Sarab’janov|pp. 314-315}}.</ref>
=== Grafica ===
[[File:Alexey_Kravchenko_01.jpg|sinistra|miniatura|Xilografia di A. Kravčenko per l'edizione del 1922 di ''Mastro pulce'' di [[E. T. A. Hoffmann]].]]
Se precedentemente i grafici erano dei commentatori della realtà, illustrata per il pubblico, negli anni venti si dedicarono all'illustrazione per la letteratura classica (soprattutto opere brevi), impiegando la tecnica della riproduzione fotomeccanica di una penna o il disegno a matita.<ref name="S315">{{Cita|Sarab’janov|pp. 315-317}}.</ref>
In un primo momento, lo stile si basò sulla grafica illustrativa tradizionale, come quella della ''[[Mir iskusstva]]''. Una delle opere più rappresentative di quegli anni è l'illustrazione realizzata da [[Mstislav Valerianovič Dobužinskij|Msitslav Dobužinskij]] per un'edizione de ''[[Le notti bianche]]'' di [[Fëdor Dostoevskij]]. A questo tipo di arte si dedicarono [[Vladimir Vasil’evič Lebedev|Vladimir Lebedev]] (grafico di libri per l'infanzia), [[Vladimir Michajlovič Konaševič|Vladimir Konaševič]], [[Nikolaj Andreevič Tyrsa|Nikolaj Tyrsa]] e molti grafici di Leningrado.<ref name="S315" />
[[File:Stanislavsky_by_N.A._Andreev.jpg|
Gli artisti di Mosca riscoprirono le tecniche della [[xilografia]], come Favorvskij, [[Aleksej Il’ič Kravčenko|Aleksej Kravčenko]], [[Pavel Jakovlevič Pavlinov|Pavel Pavlinov]] e gli artisti già menzionati. Favorvskij rappresentò la figura più importante nello sviluppo delle xilografie sovietiche degli anni venti (''
Anche nelle altre repubbliche sovietiche si formarono dei noti maestri della grafica come l'ucraino [[Vasilij Il’ič Kasijan|Vasilij Kasijan]] (''Zabastovka'', 1926; ''Geroi Perekopa'', 1927), i bielorussi [[Salamon Barysavič Judovin|Salamon Judovin]], [[Anatolij Nikolaevič Tyčina|Anatolij Tyčina]] e altri. L'armeno Akop Kodžojan adottò lo stesso stile di Kravčenko.<ref name="S315" />
Durante questo periodo, la grafica si realizzò in una varie forme: illustrazioni, album di paesaggi, cicli di ritratti, stampe, [[ex libris]], emblemi, disegni per banconote e francobolli. Inoltre, continuò l'uso delle tecniche grafiche tradizionali, come la matita, il carboncino e il pastello. Da ricordare il lavoro dello scultore nonché abile disegnatore [[Nikolaj Andreevič Andreev|Nikolaj Andreev]], autore di ritratti di personaggi della cultura sovietica e di una serie di ritratti di Lenin.<ref name="S315" />
=== Scultura ===
[[File:Stone_as_a_weapon_of_the_proletariat.jpg|sinistra|miniatura|''Roccia - L'arma del proletariato'', copia esposta al Parco Dekabr’skogo vosstanija, Mosca.]]
Andreev ha anche realizzato una serie di ritratti scultorei del leader, tra cui ''Lenin il Leader'' ({{russo|Ленин — вождь|Lenin -
La scultrice [[Sarra
=== Architettura ===
In questo periodo, rispetto al decennio precedente, l'Unione Sovietica conobbe una certa stabilità ed un'economia ben consolidata, dando il via alla progettazione e alla costruzione su larga scala di nuovi edifici come case popolari, fabbriche, centrali elettriche e nuove città.<ref name="S321">{{Cita|Sarab’janov|pp. 319-321}}.</ref> Si sviluppò quindi un nuovo stile dell'architettura sovietica promosso da artisti spinti dall'innovazione, parallelamente al mantenimento delle tradizioni. Di conseguenza, nacquero due correnti artistiche note come [[Costruttivismo (arte)|costruttivismo]] e razionalismo.<ref name="S321" />
Il principale esponente dei razionalisti era [[Nikolaj Aleksandrovič Ladovskij|Nikolaj Ladovskij]]. Questa corrente dell'architettura si è concentrata sul problema dell'immagine artistica, con ricerche basate sull'uso diffuso dei materiali e delle strutture più recenti. Gli razionalisti attribuivano grande importanza all'applicazione delle leggi oggettive della costruzione compositiva della forma architettonica.<ref>{{Cita|Sarab’janov|p. 319}}.</ref> Credevano nell'osservanza delle leggi oggettive della morfogenesi, così come consideravano le caratteristiche psicofisiologiche della percezione umana.<ref name="S321" />
La scuola costruttivista si formò poco dopo e sottolineava l'importanza delle basi funzionali e costruttive della costruzione, contrastando le tendenze "riparatiste" relative alle precedenti tradizioni architettoniche e ponendosi contro il "formalismo di sinistra", ovvero la ricerca di alcuni contemporanei. Il costruttivismo come fenomeno indipendente si diffuse per la prima volta all'inizio del 1923, quando i [[fratelli Vesnin]] avviarono il progetto per il Palazzo del Lavoro a Mosca.
[[File:Moscow,_Tverskaya,_Central_Telegraph.jpg|miniatura|Sede centrale dell'agenzia dei telegrafi.]]
Come risultato delle comuni aspirazioni dei razionalisti e dei costruttivisti, nacque e si sviluppò una nuova direzione dell'architettura sovietica nel suo insieme. I lavori di questa corrente entrarono in competizione con vari progetti per la costruzione della filiale di Mosca della ''Leningradskaja Pravda'' (fratelli Vesnin) e della società per azioni ''Arcos'' ([[Ivan Aleksandrovič Fomin|Ivan Fomin]]), del padiglione sovietico all'[[Esposizione internazionale di arti decorative e industriali moderne]] del 1925 ([[Konstantin Stepanovič Mel'nikov|Konstantin Mel'nikov]]), la sede dei telegrafi di Mosca ([[Ivan Ivanovič Rerberg|Ivan Rerberg]]) e molti altri.<ref name="S321" />
[[File:Rusakovs_club_melnikov.JPG|sinistra|miniatura|Casa della cultura "Rusakov".]]
Negli anni successivi, le ricerche creative nell'architettura sovietica furono determinate "superando la polemica rettitudine delle posizioni teoriche e pratiche dei costruttivisti e dei razionalisti".<ref>{{Cita|Sarab’janov|p. 320}}.</ref> In entrambe le correnti, vi era però la sintesi, tramite cui furono costruiti complessi residenziali sviluppati attivamente nella seconda metà degli anni venti. Tuttavia, la massiccia costruzione di abitazioni per lavoratori (case popolari a sezione quadrata di 3-5 piani), così come la tipica progettazione di alloggi per i "lavoratori in una società socialista" provocarono varie dispute teoriche. Una singola casa con un atrio e una tipica stufa russa era considerata per soddisfare i compiti per la costruzione di una società, ma furono comunque costruiti enormi complessi residenziali. Furono eretti numeri circoli operai e agricoli oltre a numerose case comuni, con un nuovo tipo di edificio pubblico che lentamente iniziava a prendere forma. Konstantin Mel'nikov diede un contributo molto importante all'urbanistica, e seguendo i suoi progetti sono stati realizzati a Mosca 5 diversi club (Rusakov, Gor'kij, Frunze, Kaučuk e Burevestnik); Mel'nikov considerò i club dei lavoratori come una tipologia di edificio che con il suo aspetto avrebbe dovuto riflettere nuove forme di vita e di lavoro, unendo i compiti funzionali e spaziali.<ref name="S321" />
A Mosca, il Palazzo della Cultura industriale di Lichačev dei fratelli Vesnin rappresenta un classico esempio di architettura costruttivista: grandi piani non decorati, ampie superfici vetrate, composizione libera e dinamica di diversi volumi. I Vesnin progettarono anche la centrale idroelettrica sul [[Dnepr]], considerato come il miglior esempio di costruzione industriale degli anni venti e dei anni trenta.<ref name="S321" />
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=== Arti applicate ===
Il governo sovietico mostrò un interesse vivo per l'arte popolare di tutte le repubbliche: i mestieri artigianali furono incoraggiati e i maestri di [[Palech]] iniziarono a lavorare con la cartapesta, combinando forme tradizionali con nuovi intrecci d'ispirazione folcloristica e fiabesca.<ref>{{Cita|Sarab’janov|p. 322}}.</ref>
== Anni trenta ==
=== Realismo socialista ===
{{Vedi anche|Realismo socialista}}
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Si svolsero numerosi eventi importanti finalizzati allo sviluppo dell'arte nello stile richiesto dallo stato, mentre aumentarono le commissioni governative, i viaggi di lavoro creativi, l'organizzazione di mostre tematiche e per gli anniversari. Gli artisti sovietici crearono numerose in occasione di ogni [[Esposizione delle conquiste dell'economia nazionale]], segnando così una tappa importante per la rinascita dell'arte monumentale. In questi lavori, apparve evidente che la devozione dell'arte sovietica alla monumentalità non era casuale, ma rifletteva "le immense prospettive per lo sviluppo della società socialista".<ref name="S322" />
Nel 1934, al primo Congresso di tutta l'Unione degli scrittori sovietici, [[Maksim Gor'kij]] formulò i principi di base del realismo socialista come nuovo stile della letteratura e dell'arte sovietica,<ref name="S322">{{Cita|Sarab’janov|pp. 322-323}}.</ref> che erano:
* Nazionalità: i lavoratori delle città e dei villaggi locali, gli operai e i contadini, i rappresentanti dell'''[[intelligencija]]'' tecnica e militare, i bolscevichi e i non partigiani divennero gli eroi delle opere realiste socialiste<ref name="S322" />
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Gli artisti sovietici più famosi erano [[Isaak Israilevič Brodskij|Isaak Brodskij]], [[Aleksandr Nikolaevič Samohvalov|Aleksandr Samochvalov]], [[Boris Vladimirovič Ioganson|Boris Ioganson]], [[Aleksandr Aleksandrovič Dejneka|Aleksandr Dejneka]], Aleksandr Laktionov, [[Jurij Michajlovič Neprincev|Jurij Neprincev]] e altri pittori provenienti dalla scuola di Mosca e Leningrado.<ref name=":0">{{Cita web|url=http://www.leningradartist.com/outline.htm|titolo=Segei V. Ivanov|lingua=en}}</ref> L'artista moscovita [[Aleksandr Gerasimov]] produsse durante la sua carriera un gran numero di dipinti eroici raffiguranti [[Iosif Stalin]] e altri membri del [[Ufficio politico|Politburo]]. [[Nikita Chruščëv]] affermò in seguito che [[Kliment Efremovič Vorošilov|Kliment Vorošilov]] aveva passato più tempo posando nello studio di Gerasimov rispetto al suo mandato nel Commissariato del popolo per la difesa. Le opere di Gerasimov mostrano una maestria delle tecniche classiche della rappresentazione.
Tuttavia, le mostre tra il 1935 e il 1960 smentirono le affermazioni secondo cui la vita artistica del periodo era stata soppressa dall'ideologia di Stato e che gli artisti erano interamente sottomessi al cosiddetto "ordine sociale". Un gran numero di paesaggi, ritratti, dipinti di genere e studi mostrati all'epoca perseguivano degli scopi puramente tecnici ed erano quindi liberi da ogni ideologia. Anche la pittura tematica fu approcciata in un modo simile.<ref>{{Cita libro|autore=Vern G. Swanson|titolo=Soviet Impressionist Painting|data=2008|p=400|
Nel secondo dopoguerra tra la metà degli anni cinquanta e i sessanta, la scuola di Leningrado stava per raggiungere il suo apice, come anche gli artisti diplomati dall'[[Accademia russa di belle arti|Accademia di belle arti]] tra gli anni trenta e cinquanta: erano molto produttivi, si sforzavano nella sperimentazione ed erano desiderosi di innovarsi e imparare sempre di più. Il loro tempo e contemporaneità, con tutte le sue immagini, idee e disposizioni, trova la sua piena espressione nei ritratti di [[Lev Rusov]], [[Viktor Michajlovič Orešnikov|Viktor Orešnikov]], [[Boris Vasil’evič Korneev|Boris Korneev]], [[Semën Aronovič Rotnickij|Semën Rotnickij]], [[Vladimir Aleksandrovič Gorb|Vladimir Gorb]], [[Engel’s Vasil’evič Kozlov|Engel's Kozlov]]; nei paesaggi di [[Nikolaj Timkov]], [[Vladimir Ivanovič Ovčinnikov|Vladimir Ovčinnikov]], [[Sergej Osipov]], [[Aleksandr Semënov]], [[Arsenij Nikiforovič Semenov|Arsenij Semenov]], [[Nikolaj Nikolaevič Galachov|
Nel 1957 venne organizzato a Mosca il primo Congresso panrusso degli artisti sovietici, mentre nel 1960 fu creata l'Unione panrussa degli artisti: entrambi gli eventi influenzarono la vita artistica a Mosca, Leningrado e nelle province. Lo scopo della sperimentazione venne esteso; in particolare per quanto riguarda la forma e il linguaggio pittorico e plastico. Le immagini di giovani e studenti, villaggi e città in rapido cambiamento, grandiosi progetti costruttivi e i raggiungimenti scientifici e tecnici del Paese divennero i principali temi dei dipinti. Gli eroi dell'epoca – giovani scienziati, operai, ingegneri civili e fisici – divennero le figure più popolari e ritratti nei quadri.
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=== Pittura ===
Anche la pittura sovietica sperimentò il suddetto desiderio di forme e immagini significative monumentali, e nei dipinti penetrò una certa "generalizzazione eroica".<ref name="S323">{{Cita|Sarab’janov|pp. 323-327}}.</ref>
Uno dei rappresentanti più significativi dell'arte pittorica di questo periodo fu [[Boris Vladimirovič Ioganson|Boris Ioganson]], che nel suo lavoro si rivolse alle tradizioni della pittura russa del XIX secolo raccogliendo l'eredità di [[Il'ja Efimovič Repin|Repin]] e [[Vasilij Ivanovič Surikov|Surikov]]. Con la sua interpretazione, introdusse nelle sue opere "un nuovo contenuto rivoluzionario, in consonanza con il periodo".<ref name="S323" /> Due dei suoi dipinti più famosi sono ''L'interrogazione dei comunisti'' (1933) ({{russo|Допрос коммунистов|Dopros kommunistov}}) e ''Alla vecchia fabbrica degli Urali'' (1937) ({{russo|На старом уральском заводе|Na starom
Un altro artista importante è stato [[Sergej Vasil'evič Gerasimov|Sergej Gerasimov]], la cui opera più famosa è ''Giuramento dei partigiani siberiani'' (1933) ({{russo|Клятва сибирских партизан|Kljatva sibirskich partizan}}. Si distingue per la sua espressività con i colori e la composizione dinamica. Ma prestò la massima attenzione al tema dei contadini, percorrendo la via del ritratto e realizzando un certo numero di quadri contadini come ''Il guardiano contadino'' (1933) ({{russo|Крестьянский сторож|Krest’janskij storož}}). Il suo quadro ''Vacanza in un Kolchoz'' (1937) ({{russo|Колхозный праздник|Kolchoznyj prazdnik}}) è considerato come una delle opere più significative dell'arte sovietica di questo decennio.<ref name="S323" /> Il suo omonimo [[Aleksandr Gerasimov]] è stato l'autore di un ritratto cerimoniale premiato del leader Stalin sullo sfondo di Mosca (''I. V. Stalin e K. Е. Vorošilov al Cremlino'', 1938).<ref>{{Cita web|url=https://ru.wikipedia.org/w/index.php?title=%D0%A4%D0%B0%D0%B9%D0%BB:A._Gerasimov_Stalin-and-Voroshilov.jpg&oldid=87157594|titolo=Файл:A. Gerasimov Stalin-and-Voroshilov.jpg|sito=Wikipedia|data=20 agosto 2017|lingua=ru}}</ref><!--И. В. Сталин и К. Е. Ворошилов в Кремле-->
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In questo periodo, l'artista [[Aleksandr Aleksandrovič Dejneka|Aleksandr Dejneka]] continuò a sviluppare un proprio stile, anche se in qualche modo ammorbidito. Le opere più significative degli anni trenta sono ''Madre'' ({{russo|Мать|Mat'}}) (1932), ''Pausa pranzo nel Donbass'' ({{russo|Обеденный перерыв в Донбассе|Obedennyj pereryv v Donbasse}})(1935) e ''Futuri piloti'' ({{russo|Будущие лётчики|Buduščie lëtčiki}}) (1938). "Sport, aviazione, corpo nudo e atletico, laconicità e semplicità del linguaggio pittoresco, la doppia consonanza di marrone-arancio e blu sono in alcuni casi attenuati dal lirismo del tema madre, dal momento della contemplazione".<ref name="S323" />
[[Jurij Ivanovič Pímenov|Jurij Pimenov]], come Dejneka, era un ex membro dell'OST ed è stato l'autore di uno dei più celebri dipinti sovietici degli anni trenta, ovvero ''Nuova Mosca'' ({{russo|Новая Москва|Novaja
[[File:Rylov_lenin.jpeg|sinistra|miniatura|''V. I. Lenin a Razliv nel 1917'', Arkadij Rylov, 1934.]]
Della precedente generazione di paesaggisti, si può ricordare [[Nikolaj Petrovič Krymov|Nikolaj Krymov]] e il suo dipinto ''Mattina nel Parco centrale della cultura e del riposo Gorkij a Mosca'' ({{russo|Утро в Центральном парке культуры и отдыха имени Горького в Москве|Utro v
Il genere ritrattistico sovietico si sviluppò in maniera vigorosa, coinvolgendo molti artisti della generazione precedente come [[Pëtr Končalovskij]], [[Igor' Grabar']] e [[Michail Nesterov]]. Quest'ultimo enfatizzò molto le posture dei soggetti che doveva ritrarre nei suoi quadri, e negli studi sull'arte sovietica le sue opere erano molto apprezzate: "I ritratti di Nesterov portarono a un inizio fondamentalmente nuovo, che affermava la vita, l'arte creativa, come le manifestazioni più tipiche e vivide delle condizioni della gente nel periodo dell'elevato entusiasmo del lavoro".<ref name="S323" />
[[Pavel Dmitrievič Korin|Pavel Korin]] è stato l'artista più vicino a Nesterov: formatosi a [[Palech]] partendo dalla realizzazione di [[Icone russe|icone]], entrò nel 1911, su consiglio di Nesterov, nella Scuola di scultura e architettura di Mosca, diventando infine uno dei più importanti maestri del primo periodo ritrattistico sovietico. La sua galleria di ritratti di intellettuali venne aperta con quello di Maksim Gor'kij. Le opere di Korin sono caratterizzato dalla monumentalità, una gamma cromatica austera e da una forma chiaramente modellata. Durante questi anni ritrae gli attori [[Leonid Leonidov]] e [[Vasilij Ivanovič Kačalov|Vasilij Kačalov]], lo stesso Michail Nesterov, lo scrittore [[Aleksej N. Tolstoj|Aleksej Tolstoj]] e lo scienziato [[Nikolaj Fëdorovič Gamaleja|Nikolaj Gamaleja]]. In questo periodo, vi era un vivido interesse per i ritratti degli individui creativi e delle personalità della cultura sovietica.<ref name="S323" />
==== Pittura monumentale ====
Negli anni trenta la pittura monumentale divenne un genere molto importante in tutta la cultura artistica sovietica.<ref name="S327">{{Cita|Sarab’janov|p. 327}}.</ref> e fu strettamente collegata allo sviluppo dell'architettura e ne è strettamente connesso.
Le tradizioni pre-rivoluzionarie furono continuate in questo periodo da Evgenij Lansere, e la sua opera del 1933 presente nella sala del ristorante della [[stazione Kazanskij]] dimostra la sua brama per una forma barocca versatile, creando una rappresentazione che sfonda il piano del soffitto e che espande lo spazio all'esterno.<ref name="S327" />
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=== Scultura ===
[[File:Paris-expo-1937-pavillon_de_l'URSS-13.jpg|miniatura|Padiglione sovietico all'Esposizione di Parigi del 1937.]]
La principale tendenza nello sviluppo della scultura di questo periodo è anche un onere per la monumentalità. Il più espressivo di loro è il lavoro di [[Vera Muchina]], che in questo periodo realizzò un ritratto del marito [[Aleksej Andreevič Zamkov|Aleksej Zamkov]] (1934-1935) e dell'architetto [[Sergej Andreevič Zamkov|Sergej Zamkov]] (1934-1935), citato dai critici sovietici come un esempio della "immagine collettiva di un giovane degli anni trenta".<ref name="S328">{{Cita|Sarab’janov|pp. 328-331}}.</ref>
Per l'[[Expo 1937]] di [[Parigi]], il cui padiglione sovietico fu creato da Boris Iofan, Muchina vinse il concorso per creare la statua, considerata da Iofan come la corona del padiglione: il gruppo scultoreo scelto fu il famoso ''[[L'operaio e la kolchoziana]]'' ({{russo|Рабочий и колхозница|Rabočij i
Alla fine degli anni trenta, Muchina partecipò a numerosi concorsi, tra cui la creazione di un progetto per un monumento rinominato in onore al giovane Maksim Gor'kij posto a [[Nižnij Novgorod]], ma fornì anche una varietà di modelli e disegni ornamentali per la decorazione di nuove strutture come il Ponte
Ivan Šadr continuò a lavorare con le sue opere, contemporaneamente a Muchina, definendo il carattere e l'orientamento dell'intera scultura monumentale sovietica. La sua opera principale di questo periodo è stata il modello della statua di Gor'kij (1938) per la piazza della stazione [[Belorusskaja-Radial'naja]] della metropolitana di Mosca, una scultura che fu completata dopo la sua morte da un gruppo guidato da Muchina (N. G. Zelenskaja e Z. G. Ivanova, con l'architetto Z. M. Rosenfeld).<ref name="S328" />
[[File:Ivan_Shadr._Maxim_Gorki.jpg|sinistra|
Matvej Manizer fu un rappresentante della direzione accademica della scultura sovietica: la sua tecnica combinava le tecniche narrative basate su un'accurata riproduzione della natura con una sufficiente emotività. Tra le opere più famose, vi è monumento situato a [[Charkiv]] dedicato al poeta, scrittore e umanista ucraino [[Taras Ševčenko]].<ref name="S328" />
[[Sergej Dmitrievič Merkurov|Sergej Merkurov]] lavorò seguendo altri principi, costruendo il suo sistema immaginativo intorno all'interpretazione plastica attiva delle impressioni dalla natura. Prima della rivoluzione, realizzò diversi monumenti dedicati alle figure più importanti della cultura russa (come [[Dostoevskij]] e [[Tolstoj]]), mentre dopo si dedicò a ritratti di leader e filosofi del socialismo: scolpì la ''Morte del leader'' (1927), una statua di Lenin in granito alta 15 metri posta sul Canale di Mosca e un'altra per la sala del [[Soviet Supremo dell'URSS]] al [[
[[Nikolaj
L'Esposizione agricola di tutta l'unione a Mosca (sito della futura [[Esposizione delle conquiste dell'economia nazionale|VDNCh]]) servì come uno stimolo importante per lo sviluppo della scultura monumentale, e molte delle ricche decorazioni presenti furono realizzate da scultori regionali invitati da tutte le repubbliche sovietiche.<ref name="S328" />
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Gli scultori sovietici continuarono a dare il proprio contributo all'arte delle porcellane, della terracotta e di altri materiali dotati di grandi possibilità decorative.<ref name="S328" />
Oltre alle forme monumentali e decorative, le tendenze scultoree continuarono a svilupparsi, in particolare nel genere dei ritratti. [[Sarra
=== Grafica ===
[[File:I._Nivinskiy_-_Lenin's_monument_at_ZAGES_-_2.jpg|miniatura|''ZAGES'', Ignatij
Durante questo periodo, la grafica sovietica sviluppò nuovi stili e affrontò nuove tematiche, mentre gli artisti del decennio precedente continuavano a realizzare illustrazioni. In particolare, [[Vladimir Andreevič Favorskij|Favorskij]] creò con la xilografia le illustrazioni per [[Michail Michajlovič Prišvin|Michail Prišvin]] (1933-35), il ''[[Canto della schiera di Igor']]'', la ''[[Vita nuova]]'' di [[Dante Alighieri]] e l'''[[Amleto]]'' di [[Shakespeare]] (1940). Un gruppo di studenti cercò di seguire le orme di Favorskij, e tra questi vi era Andrej Gončarov, creatore delle illustrazioni del romanzo di [[Tobias Smollett]] ''Le avventure di Peregrine Pickle'' (1934-35). Aleksej Kravčenko realizzò intanto le illustrazioni per ''Amok'' di [[Stefan Zweig]].
Oltre che all'illustrazione, le tecniche dell'incisione e xilografiche si diffusero anche sulla stampa, sperimentata da Vasilij Kasijan (autore di ritratti degli eroi della rivoluzione e di una serie dedicata a temi contemporanei) e dal noto artista teatrale [[Ignatij
Anche se l'incisione si sviluppò con discreto successo, negli anni trenta fu ampiamente utilizzata per le illustrazioni dei libri, prima di esser stata sostituita dalla [[litografia]], dal disegno a carboncino o in acquerello nero. Tra i maestri di queste tecniche vi erano [[Sergej Vasil'evič Gerasimov|Sergej Gerasimov]], [[Dementij Alekseevič Šmarinov|Dementij Šmarinov]], [[Evgenij
I Kukryniksy iniziarono la propria attività con le caricature e impiegarono la loro esperienza per realizzare le illustrazioni. Nel loro ciclo per ''[[I signori Golovlëv]]'' di [[Michail Evgrafovič Saltykov-Ščedrin|Saltykov-Ščedrin]] utilizzarono un linguaggio grottesco-metaforico, mentre enfatizzarono i momenti satirici in ''Vita di Klim Samgin'' e le loro illustrazioni per il libro ''Angoscia'' di [[Anton
In quel periodo, la politica ideologica dello stato portò alla pubblicazione di numerose opere nazionali, di cui molte ampiamente illustrate, come il ''Canto della schiera di Igor''', ''
=== Architettura ===
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Negli anni trenta, la costruzione edilizia continuò ad essere attiva e molte vecchie città dovettero essere ricostruite. A Mosca furono realizzati i lavori per nuove strutture, come il centro per l'[[Esposizione delle conquiste dell'economia nazionale|Esposizione agricola dell'Unione]] (1935-1939), il [[Canale di Mosca]] (1932-1937) e la [[Metropolitana di Mosca|metropolitana]] (1933-1935). I piani per l'edilizia abitativa furono attuati seguendo anche la necessità di costruire grandi complessi architettonici di natura espositiva o strutture di trasporto progettate per un enorme traffico passeggeri.
L'influenza del [[Costruttivismo (arte)|costruttivismo]] era ancora fortemente presente e furono completati gli edifici iniziati negli anni venti con quello stile, come la [[Biblioteca di Stato russa|Biblioteca di Stato dell'URSS]] intitolata a Lenin (1928-1940, degli architetti [[Vladimir Alekseevič Ščuko|Vladimir Ščuko]] e [[Vladimir Georgievič
[[File:Moscow_mokhovaya_2.jpg|miniatura|Casa sulla Mochovaja.]]
In questi anni, [[Ivan Vladislavovič Žoltovskij|Žoltovskij]] guidò la corrente tradizionalista, facendo affidamento sulla sua esperienza pre-rivoluzionaria come architetto neoclassico. Nel 1934, progettò un edificio residenziale sulla Mochovaja, collegandolo a un design moderno e ad un grande ordine apparentemente privo di alcun significato costruttivo. In generale, negli anni trenta, il colonnato divenne un elemento decorativo molto apprezzato e impiegato a volte a scapito della struttura interna e dei servizi.
Tuttavia, le caratteristiche degli stili precedenti ritornarono, in particolare nelle scuole nazionali e nella costruzione dei padiglioni della VDNCh,
[[File:MosMetro_Teatralnaya_img3_asv2018-01.jpg|miniatura|Stazione Teatral'naja.]]
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Anche la [[metropolitana di Mosca]] è stata creata da artigiani che sono stati influenzati da queste due diverse tendenze. Ivan Fomin disegnò la [[Krasnye Vorota]] (1935) e [[Teatral'naja]] (1938, chiamata precedentemente Stazione Sverdlov), concentrandosi sullo stile classico, rigoroso e preciso. Aleksej Duškin progettò la [[Kropotkinskaja]] (1935, precedentemente "Dvorec Sovetov") e [[Majakovskaja (metropolitana di Mosca)|Majakovskaja]] (1938), sforzandosi di superare il materialismo e facilitare la costruzione, incentivare la leggerezza e la razionalità, impiegando uno stile architettonico moderno e nuovi materiali.
Entro la fine del decennio, le tendenze classiche vinceranno quelle costruttive. L'architettura diventa un'ombra dei toni pomposi cerimoniali, inaugurando l'era del pieno regime di Stalin. Le stesse tendenze si manifestarono attraverso molti stili in altre arti, in particolare nell'arte applicata e decorativa.<ref name="S334">{{Cita|Sarab’janov|p. 334}}.</ref>
== Seconda guerra mondiale ==
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La [[seconda guerra mondiale]] (nota nelle ex-repubbliche sovietiche come la [[Grande Guerra Patriottica]]) divenne il fattore più importante che influenzò lo sviluppo dell'arte sovietica degli anni quaranta. Gli artisti e gli scultori, come gli altri cittadini, furono attivamente attivi nella difesa del paese e, a causa delle specificità della loro professione, furono coinvolti assieme agli scrittori nelle attività di propaganda promosse dal governo, che in questo periodo svolgeva un ruolo enorme.
Il manifesto ''
=== Manifesti e grafica ===
I manifesti di propaganda ebbero un ruolo molto importanti dell'arte sovietica durante la seconda guerra mondiale,<ref>{{Cita|Sarab’janov|p. 336}}.</ref> e furono coinvolti gli artisti che si erano formati durante gli anni della [[Guerra civile russa|guerra civile]] (D. Moore, V. Denis, M. Čeremnych) e quelli della generazione successiva, come I. Toidze (''Rodina-
Le ''Okna TASS'', alle quali collaborarono i Kukryniksy e molti altri, divennero un elemento importante nella propaganda di stato.
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Durante questo periodo, i grafici realizzarono varie opere significative, essendo facilitati dalla portabilità ed efficienza della loro tecnologia. La percezione dell'ambiente circostante si è affinata, permettendo così la creazione di un gran numero di immagini dinamiche, commoventi, liriche e drammatiche.
Molti grafici presero parte anche al conflitto: Jurij Petrov, l'autore del ''Diario di Spagna'' ({{russo|Испанского дневника|
[[File:1942._Кровь_за_кровь!_Смерть_за_смерть!.jpg|alt=1942. Кровь за кровь! Смерть за смерть!.jpg|
La serialità divenne una caratterista della grafica di quel periodo, in particolare quando il ciclo di lavori doveva esprimere un'unica idea e tema, e nel 1941 cominciarono ad essere pubblicate delle lunghe serie. Molte di queste si conclusero dopo la guerra, collegando il presente e il passato.
Leonid Sojfertis realizzò due serie di disegni: ''Sebastopol''' (Севастополь) e ''Krym'' (Крым). Soyfertis si trovava a [[Sebastopoli]] fin dai primi giorni della guerra, essendo andato al fronte come un artista militare, e trascorse tutti gli anni della guerra nella flotta del [[Mar Nero]]. I suoi schizzi familiari diventano parte di un'epica militare. Uno dei suoi fogli più curioso è ''Mai!'' ({{russo|Некогда!|Nekogda!}}) (1941), con un marinaio e degli spazzini. Il foglio ''Fotografia per un documento di partito'' ({{russo|Фотография для партдокумента|Fotografija dlja partdokumenta}}) (1943) raffigura un marinaio e un fotografo il cui treppiede è posto in un cratere provocato dalle bombe.
Dementij Šmarinov realizzò la serie di disegni ''Non dimenticare, non perdonare!'' ({{russo|Не забудем, не простим!|Ne zabudem, ne prostim!}}) (1942) con carboncino e acquerello nero, raffigurante le situazioni tragiche del primo anno di guerra. Di questi, la ''Madre'' ({{russo|Мать|Mat{{'}}}}) sul corpo del figlio assassinato e ''Il ritorno'' ({{russo|Возвращение|Vozvraščenie}}) di una contadina ricoperta di cenere, così come l{{'}}''Esecuzione partigiana'' ({{russo|Казнь партизанки|Kazn' partizanki}}). Qui apparve per la prima volta un argomento che divenne poi tradizionale per l'arte degli anni della guerra: il popolo sovietico e la sua resistenza all'invasore. Il principale significato emotivo della serie è la sofferenza del popolo, la sua rabbia e il potere eroico, prevedendo la sconfitta dei fascisti.
Durante il suo soggiorno a Leningrado, Aleksej Pachomov creò una sorta di suite grafica denominata ''Leningrado ai tempi del blocco'' ({{russo|Ленинград в дни блокады|Leningrad v dni blokady}}). Iniziata nel 1941, i primi sei fogli furono mostrati all'esposizione delle opere militari degli artisti di Leningrado nel 1942,
Oltre alle serie, furono realizzati diversi disegni individuali e varie incisioni: gli acquerelli di ''Berlino. Sole'' ({{russo|Берлин. Солнце|Berlin. Solnce}}) di Dejneka e ''Nel giorno della firma della dichiarazione'' ({{russo|В день подписания декларации|V
=== Pittura ===
Gli artisti sovietici fecero una sorta di cronaca della Grande Guerra Patriottica, rappresentando la minaccia fascista, la dura vita quotidiana della guerra, il dolore per i morti, l'odio per il nemico e in seguito la gioia della vittoria e il senso di coinvolgimento di tutti nella causa comune. "La rivelazione fantasiosa dell'esperienza del popolo sovietico in un periodo terribile si trasformò in una tradizione tematica dell'arte sovietica".<ref>{{Cita|Sarab’janov|p. 340}}.</ref>
[[File:1967_CPA_3589.jpg|miniatura|''Aleksandr Nevskij'' (1942) di Pavel Korin su un francobollo sovietico del 1967.]]
Particolarmente preziosi sono i dipinti realizzati direttamente negli anni della guerra con le impressioni autentiche degli artisti: uno dei primi lavori di questo genere è ''La periferia di Mosca. Novembre 1941'' ({{russo|Окраина Москвы. Ноябрь 1941 года|Okraina Moskvy.
Le opere create durante gli anni della guerra differiscono in base all'esperienza vissuta dall'artista e all'anno della loro creazione. Ciò è evidente quando si confronta la ''Difesa di Sebastopoli'' ({{russo|Обороны Севастополя|Oborony Sevastopolja}})(1942) di Dejneka con un suo quadro precedente: la nuova tela rappresenta già un dramma storico. Nell'estate del 1944 Dejneka realizza la tela ''Distesa'' ({{russo|Раздолье|Razdol'e}}), dove la bellezza e la plasticità delle ragazze, secondo l'accademico V. P. Sysoev, "raddoppiano l'attrattiva estetica" e servono allo spettatore come "una fonte di gioiosa empatia", mentre l'immagine riflette il sentimento di una vittoria vicina sulla Germania nazista.
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Konstantin Juon dipinse ''Parata sulla Piazza Rossa del 7 novembre 1941'' ({{russo|Парад на Красной площади 7 ноября 1941 года|Parad na Krasnoj ploščadi 7 nojabrja 1941 goda}}) (1942), ritraendo un'immagine storicamente autentica del corteo delle truppe dirette al fronte. Pavel Korin nel 1942 realizzò ''Aleksandr Nevskij'' (Александр Невский), la parte centrale di un trittico le cui parti laterali (''Storia antica'' e ''Ballata del Nord'') furono completate in seguito. Nell'opera viene espressa tramite l'immagine del principe Nevskij un nuovo inizio eroico e una grande energia. A volte l'interesse per le figure storiche era basato sulle tradizioni di Vasnecov e Surikov, due pittori del XIX secolo), come si può notare nel quadro ''Mattino nel campo di Kulikvo'' ({{russo|Утро на Куликовом поле|Utro na Kulikovom pole}}) (1943-1947) di Aleksandr Bubnov.
Anche il paesaggio acquisì un valore patriottico, interpretato da Nikolaj Romadin nella serie ''Volga - Fiume russo'' ({{russo|Волга — русская река|Volga — russkaja reka}}) (1944). Tra le varie forme di manifestazioni artistiche di questo periodo, vi era anche il ritratto: gli artisti dipinsero eroi di guerra, lavoratori della retrovia, scienziati, personaggi della cultura e a volte anche loro stessi, in modo da poter trasmettere i pensieri e le sensazioni complesse di un testimone dell'epoca (''Autoritratto'' di Končalovskij, 1943; ''Autoritratto'' di Sarjan, 1942).<ref>{{Cita|Sarab’janov|p. 343}}.</ref>
=== Scultura ===
[[File:
Anche la guerra divenne il tema principale della scultura, anche se per gli artisti fu molto più difficile lavorare in condizioni estreme.
Il genere più comune della scultura militare era il ritratto eroico, e [[Vera Muchina]] è stata l'artista più attiva nonché autrice di una galleria di ritratti di eroi della guerra. Realizzò la serie dei combattenti (tra cui ''B. Jusupov'', 1942; ''I. L. Chižnjak'', 1942) e una delle sue opere più forti è il ritratto ''Partigiana'' ({{russo|Партизанка|Partizanka}}) (1942). Nikolaj Tomskij creò un diverso tipo di ritratto militare-eroico, e la sua galleria di eroi dell'Unione Sovietica combina l'eroismo classico con le caratteristiche dell'epoca (M. G. Gareev, P. A. Pokryšev, A. S. Smirnov, I. D. Černjachovskij - 1945-48).
Il georgiano [[Jakov Ivanovič Nikoladze|Jakov Nikoladze]] reinterpretò il ritratto militare: il suo ''Ritratto di K. N. Leselidze'' esprime l'individualità del modello, del rango e del suo specifico umore. Anche [[Evgenij Vučetič]] lavorò molto sul genere dei ritratti. "Come se deliberatamente anticipasse il tipo di eroe, il comandante vittorioso, e poi lo individualizzasse. Nell'esprimere la grandezza dell'eroe, gli effetti della composizione del busto e il suo stile decorativo sono le qualità principali delle opere di Vučetič."<ref>{{Cita|Sarab’janov|pp. 343-344}}.</ref> Notevole è anche il suo busto di Černjachovskij. Ivan Peršudčev occupò un ruolo speciale nello sviluppo del ritratto durante il periodo bellico, essendo stato uno dei pochi scultori ad aver lavorato direttamente al fronte (su un laboratorio mobile posto su un camion), e realizzò ritratti particolarmente dettagliati e autentici.
Sebbene in questi anni difficili non siano stati costruiti molti monumenti monumentali, continuarono ad esser realizzati altri progetti. Nel 1941 si tenne un concorso per un monumento al generale Ivan Panfilov (successivamente installato a Frunze, l'odierna [[
Alla fine del 1945, per ordine del governo sovietico, fu avviata la realizzazione di monumenti in onore di coloro che erano caduti per la liberazione dell'Europa dal fascismo, come il ''[[Memoriale sovietico (Treptower Park)|Guerriero liberatore]]'' ({{russo|Воин-освободитель}}) di Vučetič situato a Berlino.
=== Arti decorative ===
L'artigianato e l'industria artistica furono subordinate alle necessità belliche e il tema militare venne trattato nella forma di favolose battaglie nelle opere di Palech e Mstera. Molte figure storiche furono riproposte come piccole statuette di plastica, come ''Susanin'' di Sergej Evangulov. Verso la fine della guerra, si diffusero molte decorazioni dedicate alla vittoria e aumentò l'interesse per gli emblemi.<ref>{{Cita|Sarab’janov|p. 345}}.</ref>
=== Architettura ===
Durante la seconda guerra mondiale, vennero costruiti pochi edifici ma nuovi progetti continuarono ad essere creati nel campo dell'edilizia abitativa e della pianificazione urbana. Nel 1943, al fine di migliorare la qualità dell'architettura e delle costruzioni, fu organizzata la commissione per gli affari architettonici che guidò il restauro delle città e degli insediamenti distrutti dalla guerra. La commissione dovette ripristinare 70
Nel 1943, alla [[Galleria Tret'jakov]], fu organizzata una mostra di opere architettoniche dedicate al "Fronte eroico e della retrovia".
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Nella pittura di questi anni, il genere "storico-rivoluzionario" divenne uno dei più trattati.
Nel 1950, un gruppo di autori ([[Boris Vladimirovič Ioganson|Boris Ioganson]] e [[Vasilij Vasil’evič Sokolov|Vasilij Sokolov]], [[Dmitrij Kapitonovič Tegin|Dmitrij Tegin]], [[Natalija Petrovna Fajdyš-Krandievskaja|Natal'ja Fajdyš-Krandievskaja]], Nikita Chebakov) realizzò la tela di grandi dimensioni ''Discorso di V. I. Lenin al III Congresso del Komsomol'' ({{russo|Ленин на III съезде комсомола|Lenin na III
[[Georgij Stepanovič Melichov|Georgij Melichov]] ambientò i suoi dipinti in epoche precedenti: il suo ''Giovane Taras Ševchenko con l'artista K. P. Brjullov'' ({{russo|Молодой Тарас Шевченко у художника К. П. Брюллова|Molodoj Taras Ševčenko u chudožnika K. P. Brjullova}}) (1947)<ref>{{cita web|url=http://namu.kiev.ua/assets/images/collection/1238426790big.jpg|titolo=Immagine della tela|accesso=1 aprile 2019|dataarchivio=31 agosto 2021|urlarchivio=https://web.archive.org/web/20210831200315/http://namu.kiev.ua/assets/images/collection/1238426790big.jpg|urlmorto=sì}}</ref> è un'opera dallo stile tradizionale creata con una certa attenzione ai dettagli storici e una cura nella scelta dei colori.
[[File:Kostecky_V._N._Homecoming.jpg|miniatura|''Il ritorno'', Vladimir Kosteckij.]]
I sentimenti patriottici nati con la seconda guerra mondiale suscitarono l'interesse per la storia nazionale in generale, rendendo il conflitto un genere storico al quale aderirono molti artisti.<ref>{{Cita|Sarab’janov|p. 348}}.</ref> Un esempio è la tela di [[Jurij Mihajlovič Neprincev|Jurij Neprincev]] ''Riposo dopo la battaglia'' ({{russo|Отдых после боя|Otdych posle boja}}) (1951)<ref>{{Cita web|url=http://www.museum.ru/alb/image.asp?12772|titolo=Отдых после боя
Anche i temi del lavoro e della quotidianità in tempo di pace ricevettero un'attenzione speciale, dove la vita senza la guerra e il "lavoro gioioso", grazie al quale poter sentirsi particolarmente giovani e felici, venivano espressi in dipinti come ''Pane'' ({{russo|Хлеб|Chleb}}) di [[
[[File:1967_CPA_3588.jpg|miniatura|''Pane'',
[[Arkadij Aleksandrovič Plastov|Arkadij Plastov]] rimase ancora una figura di spicco nella pittura di questo periodo, realizzando opere come ''Fienagione'' ({{Russo|Сенокос|Senokos}}) (1945), ''Prima nevicata'' ({{Russo|Первый снег|Pervyj sneg}}) (1946) e ''Sulla corrente della fattoria collettiva'' ({{Russo|На колхозном току|Na kolchoznom toku}}) (1949), dove "la scena della trebbiatura [...] esprime in modo convincente la pienezza del ritmo di lavoro, la coerenza delle persone nel lavoro, la loro unità spirituale nella connessione indissolubile di ognuno con la terra che le ha generate."<ref name="S349" /> Uno stile analogo è presente nella ''Cena del trattorista'' (1951), Nel 1954, Plastov realizzò "una delle opere più straordinarie e importanti della pittura sovietica",<ref name="S349" /> ''Primavera'' ({{Russo|Весна|Vesna}}), dove una ragazza nuda dall'aspetto angelico veste una giovane bambina sotto la neve.
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Ulteriori contributi allo sviluppo della pittura nel dopoguerra furono realizzati da artisti provenienti dai paesi baltici, in particolare dalla [[RSS Lettone]], come [[Eduards Kalniņš]] (''Nuovi marinai'', 1945) e [[Janič Osis]] (''Pescatori lettoni'', 1956). Nelle opere vengono descritte scene di pesca con sobrietà e severità (tratti caratteristici della pittura lettone).
Poiché sorse la necessità di rappresentare la felicità e la gioia in tempo di pace, lo stile paesaggistico in chiave lirica ricevette della direzione lirica ha ricevuto nuovi impulsi nel suo sviluppo. Così, Sergej Gerasimov dipinse dei paesaggi vicino a Mosca in tele di piccole dimensioni, modeste, convincenti e specifiche nel caratterizzare la natura della Russia centrale ma liriche e personali nell'esprimere lo stato d'animo del tempo (''Inverno'', 1959; ''Paesaggio con un fiume'', 1959; ''Primavera'', 1954 ). Allo stesso tempo, gli elementi della cultura epica invasero l'immagine lirica della natura, rivelando così l'idea del patriottismo in una chiave lirica. Della vecchia scuola, il lavoro del pittore paesaggista [[Vasilij Vasil’evič Meškov|Vasilij Meškov]] è rivelante, in particolare con le opere ''Il racconto degli Urali'' ({{Russo|Сказ об Урале|Ckaz ob Urale}}) (1949), ''Kama'' e ''Distese del Kama'' ({{Russo|Просторы Камы|Prostory Kamy}}) (1950). Nei suoi dipinti sono
[[Georgij Grigor’evič Nisskij|Gregorij Nisskij]] si approcciò al paesaggio in un modo diverso. Negli anni trenta e quaranta, aveva padroneggiato un nuovo dinamismo, un nuovo "tipo" di natura, un'energia trasformata e il lavoro dell'uomo moderno. I motivi principali dei suoi dipinti sono i binari delle ferrovie, le autostrade e linee di trasmissione ad alta tensione, gli aerei, le vedute della terra dal cielo, i porti, gli yacht e i bacini di riserva. Nella maggior parte dei suoi paesaggi, la base della composizione è il movimento, veloce e attivo, che si sviluppa in decisi ritmi monumentali; angoli inaspettati e acuti e bizzarri giri vengono usati assieme a grandi piani di colori (di solito secondo il principio del contrasto). Lo schema cromatico è sobrio, fresco, con del grigio acciaio da accenti di colore brillante. Tra le opere luminose di questo periodo vi è ''Paesaggio bielorusso'' ({{russo|Белорусский пейзаж|Belorusskij pejzaž}}) (1947), ma è da ricordare anche il quadro ''Regione di Mosca. Febbraio'' ({{russo|Подмосковье. Февраль|
Pavel Korin, durante questo periodo, continuò a lavorare come ritrattista per persone attive nell'ambito culturale e creativo come ''Konenkov'' (1947), ''Sar'jan'' (1956) o i ''Kukryniksy'' (1957). Le caratteristiche sono accurate e nitide, il dipinto rimane laconico e austero mentre viene selezionato uno speciale schema di colori e viene sottolineato un gesto o una postura.<ref name="S352" />
I successi degli artisti della cerchia di Plastov, Korin, Čujkov e Gerasimov suggeriscono che il ruolo principale nello sviluppo della pittura negli anni del dopoguerra fu quello dei maestri della generazione che si era formata negli anni precedenti.<ref name="S352" /> La vita quotidiana e domestica erano al centro dell'attenzione dell'artista ucraino Sergeij Grigoriev, di cui un certo numero di dipinti sono stati dedicati all'infanzia: ''Alla riunione'', ''Ammissione al Komsomol'' (1949), ''Il Portiere'' (1949), ''Discussione di due'' (1950). L'interesse del pubblico e della critica venne attirato dal dipinto ''Ritornato'' ({{russo|Вернулся|Vernulsja}}) (1954).<ref>{{Cita|Sarab’janov|p. 346}}.</ref>
=== Grafica ===
[[Boris Ivanovič Prorokov|Boris Prorokov]], un invalido di guerra, si mostrò come un artista satirico dedito alla denuncia. La sua serie ''Ecco qui, l'America'' ({{russo|Вот она, Америка|Vot ona, Amerika}}) (1947-1949) si basa sui temi delle poesie americane di Majakovskij, e denuncia e ironizza la politica statunitense. Le caratteristiche principali di questa serie sono l'ingrandimento della silhouette dei personaggi principali (''Žena Toma'', ''Tom'' e altre), il contrasto tra bianco e nero, un quadro generalizzato, il carattere monumentale e l'impronta emotiva dell'autore. La sua serie ''Per la pace'' ({{russo|За мир|Za mir}}) venne pubblicata nel 1950 e ogni foglio (tra cui ''Tank Trumena na dno!'' e ''Svoboda po-amerikanski'') si distingue per la sua espressività figurativa. Nel 1958, Prokov creò la serie ''Questo non dovrebbe succedere di nuovo'' ({{russo|Это не должно повториться|
La grafica satirica del periodo postbellico è uno dei tipi più popolari e "marziali" dell'arte sovietica. Gli artisti della caricatura politica e della satira su temi internazionali lavoravano attivamente per la ''[[Pravda]]'' e altri giornali centrali. I [[Kukryniksy]] crearono una serie di opere satiriche significative come ''Taglio di capelli'' ({{russo|Уолл-стрижка|Uoll-strižka}})(1948), ''Al capezzale'' ({{russo|У постели больного|U posteli bol'nogo}}) (1948) e ''Donna Franko'' ({{russo|Донна Франко}}) (1949). L'accuratezza delle caratterizzazioni e l'abile selezione degli attributi sono i principali mezzi artistici dei vignettisti del collettivo. Leonid Sojfertis e Vitalij Gorjaev lavorarono con successo anche nel campo della satira politica con dinamismo, acutezza, e leggerezza.<ref name="S353" />
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=== Scultura ===
Negli anni del dopoguerra le caratteristiche monumentali si intensificano nella scultura: ciò venne facilitato dalla pubblicazione di un decreto governativo riguardo
Sulla base dei monumenti e dei busti creati in precedenza, [[Nikolaj Vasil’evič Tomskij|Nikolaj Tomskij]] realizzò i monumenti per i generali [[Iosif Rodionovič Apanasenko|Iosif Apanasenko]] ([[Belgrado]], 1949) e [[Ivan Danilovič Černjakovskij|Ivan Černjakovskij]] ([[Vilnius]], 1950 - trasferito a [[Voronež]]). In essi, lo scultore combina la somiglianza concreta e la modellazione generalizzata, l'armonia della scultura e del piedistallo architettonico, la chiarezza e l'espressività del piedistallo. Evgenij Vučëtič continuò a lavorare sui busti di eroi e a vari monumenti. Le prime opere che realizzò furono i ritratti degli eroi del lavoro (''Agricoltore collettivo uzbeko Nizarali Nijazov'', 1948), pur conservando l'esperienza nel ritratto militare, ricorrendo a una composizione spettacolare. Nel 1946, il lituano [[Juozas Mikėnas]] realizzò un espressivo ''Monumento alle 1200 guardie'' ({{russo|Памятник 1200 гвардейцам|Pamjatnik 1200 gvardejcam}}) situato a [[Kaliningrad]]: con due figure dinamiche protese in avanti, il monumento esprime lo spirito della vittoria.<ref name="S354" />
Oltre ai monumenti agli eroi e ai memoriali di guerra degli anni cinquanta, furono eretti monumenti dedicati ai personaggi storici e alle figure culturali più importanti. Nel 1953, secondo il progetto di [[Sergej Michajlovič Orlov|Sergeij Orlov]], fu eretto il Monumento a [[Jurij Dolgorukij di Kiev]], e nel 1958 viene inaugurato eretto un monumento a Majakovskij dello scultore [[Aleksandr Pavlovič
Negli anni quaranta e cinquanta, gli scultori della vecchia generazione continuarono a lavorare fruttuosamente, compresa Muchina. Il suo lavoro monumentale di maggior successo di questi anni è stato il monumento a Čajkovskij al Conservatorio, sul quale aveva lavorato dal 1945. Muchina partecipò anche al completamento del monumento a Gor'kij a Mosca iniziato da Šadr: mantenendo le scelte originarie, introdusse nel progetto il suo stile dettato dalla libertà plastica e dal potere delle forme scultoree armonizzate dal calcolo esatto del progetto.
Dopo una pausa di 23 anni, nel 1945, lo scultore [[Sergej Timofeevič Konënkov|Sergej Konënkov]] fece ritorno in patria e nel 1947 realizzò ''L'uomo liberato'' ({{russo|Освобожденный человек|Osvoboždennyj čelovek}}), con Sansone che, una volta spezzate le catene, alza le mani in un gesto trionfante. "Nell'immagine del gigante liberato, lo scultore ha incarnato la sua gioia e il suo orgoglio per il popolo che ha sconfitto il fascismo".<ref>{{Cita|Sarab’janov|p. 356}}.</ref> Nel 1949, creò il ''Ritratto del più vecchio contadino collettivo nel villaggio di Karakovich, I. V. Zuev'' ({{Russo|Портрет старейшего колхозника деревни Караковичи И. В. Зуева|Portret starejšego kolhoznika derevni Karakoviči I. V. Zueva}}), il suo compagno di villaggio e amico d'infanzia. Konënkov contribuì molto allo sviluppo del ritratto negli quaranta e cinquanta, introducendo la "diversità plastica acutamente tangibile, un grande senso del materiale, alta cultura e sensibilità nella percezione della personalità di un contemporaneo". Nel 1957, fu il primo tra gli scultori sovietici a ricevere il [[Premio Lenin]].
=== Arte sovietica nonconformista ===
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=== Architettura ===
[[File:Kyiv_Chrestjatyk_administrative_arc.jpg|
Nel dopoguerra, gli architetto furono impegnati attivamente nel restauro degli edifici distrutti e nella creazioni di nuovi, cercato di correggere i vecchi difetti. A [[Kiev]], in questo periodo, venne ricostruita la [[Chreščatyk]], e nel restauro della capitale ucraina furono impiegati non solo architetti locali, ma anche quelli provenienti da Mosca e Leningrado. Nel 1949 fu proposto un progetto per il ripristino della via della Chreščatyk, con un cambio della forma che costò "un tributo al decorazionismo superficiale", ideato da [[Aleksandr
[[File:The_central_embankment_of_Volgograd_002.JPG|sinistra|
Grande attenzione fu data al nuovo piano generale di [[Stalingrado]], rasa al suolo dopo la [[Battaglia di Stalingrado|battaglia del 1942-1943]]: l'idea architettonica ed estetica integrale venne proposta dagli architetti [[Karo Halabyan|Karo Alabjan]] e [[Vasilij Nikolaevič Simbircev|Vasilij Simbircev]], e furono introdotte nel piano la Piazza della Lotta ({{Russo|площадь Борьбы|
Anche [[Minsk]] fu oggetto di rinnovamento, in particolare per il centro della città nell'area di Piazza Lenin e Via Lenin (le attuali Piazza e Via dell'Indipendenza). La via principale fu progettata come un viale con case di uguale altezza dagli architetti [[Michail Pavlovič Parusnikov|Michail Parusnikov]], [[Michail Osipovič
Si diffuse la tendenza di realizzare opere molto alte e grosse, come le [[Sette Sorelle (Mosca)|Sette Sorelle
[[File:Moscow_State_University_crop.jpg|
Uno dei problemi principali rimase ancora quello delle abitazioni popolare devastate della guerra, e proprio in questi anni fu avviato lo sviluppo di alloggi per le masse. Tuttavia, all'inizio la qualità costruttiva era bassa qualità, a causa della mancanza della necessaria base produttiva e tecnica. I primi esperimenti iniziarono con gli edifici popolari di Mosca, concepiti dagli architetti [[Zinovij Moiseevič
== Anni sessanta e settanta ==
All'inizio degli anni cinquanta e sessanta, emersero nuove tendenze nell'arte sovietica, che si svilupparono nel prossimo decennio. Nel 1957 si tenne a Mosca il primo congresso degli artisti di tutta l'Unione, che riassunse i risultati artistici e delineò l'ulteriore percorso di sviluppo. Venne ripresa l'attività espositiva e tra il 1962 e il 1963 venne organizzata una mostra retrospettiva di artisti moscoviti per i "30 anni della MOSSCh" (Mosca, 1962-1963).<ref name="S359">{{Cita|Sarab’janov|p. 359}}.</ref>
I primi anni sessanta furono caratterizzati da nuove tendenze ideologiche e creative. Il tema principale dell'arte in questo periodo cruciale fu il desiderio di liberarsi dai luoghi comuni nell'approccio alla modernità, di eliminare la necessità della grandezza e la pomposa rappresentazione della realtà e di mostrare invece il contatto diretto con la realtà. Gli artisti volevano vivere attivamente l'arte piuttosto che usarla per raccontare un evento, preferendo rappresentare il "normale" e il "quotidiano" nell'aspetto romantico in modo da poter creare un'immagine generalizzata e elevata della vita quotidiana. Allo spettatore facevano un appello diretto, giornalistico, "oratorio", chiamandolo a valutare i fenomeni e gli eventi della vita in maniera "responsabile e civile" assieme all'artista.<ref name="S359" />
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Ciascun tipo di arte era alla ricerca di un metodo per lo sviluppo approfondito della specificità espressiva propria di questo genere. Gli autori cercarono di accrescere la plasticità della forma a vantaggio della pienezza ideologica e figurativa, del dinamismo e della lapidarietà del linguaggio artistico.
Il nuovo movimento stilistico nell'arte e nella formazione artistica cercò il proprio sostegno nelle antiche tradizioni, specialmente nell'arte sovietica degli anni venti (la OST con il suo dinamismo espressivo, la scuola di grafica di Favorskij con la sua forza costruttiva ed espressività, la plasticità di [[Aleksandr
Dalla OST, il nuovo stile ereditò il principio dello spazio "appiattito", quando le immagini di una sagoma prominente che contrastano con lo sfondo vengono evidenziate. Un tale spazio compositivo è incompiuto e frammentato ed impone all'immagine la qualità dell'universalità, coinvolgendo gli eroi del lavoro e le loro vite nel destino di tutte le persone. Le caratteristiche dell'universalità si esprimono attraverso un determinato approccio alla soluzione cromatica: al posto del [[Tonalità (colore)|sistema cromatico tonale]] viene impiegata una struttura dove i piani di una figura sono interamente dipinti con un colore locale con la stessa intensità.
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Nella pittura sovietica, oltre allo stile severo, vi erano altri movimenti. Molti artisti delle nuove generazioni preferirono seguire altre tradizioni, come l'impressionismo pittorico e la percezione diretta della natura.
Gli artisti che si erano formati negli anni precedenti svolsero un ruolo significativo negli anni sessanta e settanta. [[Jurij Ivanovič Pimenov|Jurij Pimenov]], ex membro della OST, durante questo periodo si rivelò come un pittore di genere, ottenendo la popolarità con il suo ''Matrimonio sulla strada del domani'' ({{russo|Свадьба на завтрашней улице}}) del 1962. [[Dmitrij Konstantinovič
==== Stile severo ====
Tuttavia, gli artisti della nuova generazione, con lo stile severo, hanno coerentemente riflesso nei dipinti il significato dei cambiamenti avvenuti in quel periodo. Gli artisti più notevoli di questo stile furono i fratelli Aleksandr e Pëtr Smolin: il loro lavoro dimostrava il forte carattere romantico, fusosi con la tendenza generale dell'arte contemporanea e con la monumentalizzazione delle esperienze di vita. Nel loro quadro ''Esploratori polari'' ({{russo|Полярники|Poljarniki}}) (1961) viene espresso "il vero eroismo degli esploratori, la natura romantica della loro professione. [...] Gli esploratori polari sono raffigurati in uno stato di estrema fatica dopo un lungo e faticoso lavoro in una notte polare senza fine. Tuttavia, per quanto riguarda lo "scrutare" nella foto, il significato e la singolarità di queste persone che conducono una vita eroica nelle condizioni più difficili si fanno sentire sempre di più, e questo eroismo è la loro vita quotidiana professionale".<ref>{{Cita|Sarab’janov|pp. 360-361}}.</ref> La tela ''Sciopero'' ({{russo|Стачка|Stačka}}) (1964)<ref>{{Cita web|url=http://www.tretyakovgallery.ru/ru/collection/_show/image/_id/2397|titolo=Стачка|lingua=ru|urlarchivio=https://web.archive.org/web/20140201170322/http://www.tretyakovgallery.ru/ru/collection/_show/image/_id/2397|urlmorto=sì}}</ref> è dedicata a temi storici e rivoluzionari, dove "Nuova qui è un'ombra di leggendario, la descrizione di un evento che da tempo andato è una cosa del passato. L'immagine è caratterizzata dall'astrazione, dalla concretezza. Pertanto, le persone qui sono percepite come tutti i proletari prima del primo passo nella storia. Le tendenze poetiche e metaforiche, che presto diventarono una nuova scoperta figurativa per tutta l'arte sovietica, apparvero nel dipinto ''Sciopero'' e in alcune tele successive dei fratelli Smolin".<ref name="dfgou">{{Cita|Sarab’janov|p. 361}}.</ref>
Un altro artista
Da questi esempi è chiaro che il genere storico attirò gli artisti della nuova generazione come [[Gelij Koržev]] autore del trittico ''I comunisti'' ({{russo|Коммунисты|Kommunisty}}) (1957-60) e del ciclo ''Bruciato dalla guerra'' ({{russo|Опалённые войной|Opalënnye vojnoj}}). Le sue opere sono caratterizzate da figure di grandi dimensioni vicine allo spettatore, rapporti drammatici, e dalla coerenza e sincerità del pensiero dell'autore.
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[[Nikolaj Ivanovič Andronov|Nikolaj Andronov]] è un altro rappresentante di questa generazione. Nei suoi primi lavori segue le tradizioni del ''[[Bubonogo valeta]]'', in particolare il primo periodo di [[Pëtr Končalovskij]]. Un esempio di questo periodo è ''Gli zattieri'' ({{russo|Плотогоны|Plotogony}}) (1959-61):<ref>{{Cita web|url=http://www.tretyakovgallery.ru/ru/collection/_show/image/_id/2356|titolo=Плотогоны|lingua=ru|urlarchivio=https://web.archive.org/web/20140201170419/http://www.tretyakovgallery.ru/ru/collection/_show/image/_id/2356|urlmorto=sì}}</ref> lo schema compositivo è sottolineato dal ponte, mentre nella tela sono presenti contorni nitidi e taglienti, contrasti dei piani e l'armonia degli altri colori, dove il tutto contribuisce all'espressione dell'eroismo nella vita di tutti i giorni.
[[Viktor Efimovič Popkov|Viktor Popkov]] si avvicinò alla pittura sovietica alla fine degli anni cinquanta, distinguendosi tra gli artisti attivi nel suo campo civile e creativo. Il suo lavoro è caratterizzato da un'ansia eterna, dalla mancanza di benessere e della soddisfazione personale. La metà e la fine degli anni sessanta divennero la fase più significativa del suo lavoro, e nel 1960 realizzò il famoso quadro ''I costruttori di Bratsk'' ({{russo|Строители Братска|Stroiteli Bratska}}). Al tema dell'unità delle persone nel lavoro è dedicato il dipinto ''La brigata a riposo'' ({{russo|Бригада отдыхает|Brigada otdychaet}}) (1965), mentre l'amore è presente in ''Due'' ({{russo|Двое|Dvoe}}) (1966),,<ref>{{Cita web|url=http://www.tretyakovgallery.ru/ru/collection/_show/image/_id/2399|titolo=Двое|lingua=ru|urlarchivio=https://web.archive.org/web/20160305014412/http://www.tretyakovgallery.ru/ru/collection/_show/image/_id/2399|urlmorto=sì}}</ref>, ''Mattina. Luglio'' ({{russo|Лето. Июль|Leto. Ijul{{'}}}}) (1969), ''Il mio giorno'' ({{russo|Мой день|Moj den'}}) (1968).<ref>{{Cita web|url=http://www.tretyakovgallery.ru/ru/collection/_show/image/_id/2401|titolo=Мой день|lingua=ru|urlarchivio=https://web.archive.org/web/20160304211430/http://www.tretyakovgallery.ru/ru/collection/_show/image/_id/2401|urlmorto=sì}}</ref> Una serie significativa di Popkov è il trittico ''Oh, come tutti i mariti furono portati in guerra'' ({{russo|Ой, как всех мужей побрали на войну|Oj, kak vsech mužej pobrali na vojnu}}), composto da ''Memorie'', ''Uno'' e ''Canzone del nord''<!--«Воспоминания», «Одна», «Северная песня»,--> (1966-68), dedicato alle vedove dei soldati.
<!--Ancora vivo-->[[Viktor Ivanovič Ivanov|Viktor Ivanov]] ha dedicato il suo lavoro alla campagna sovietica degli anni della guerra e del dopoguerra. Negli anni sessanta ha realizzato il ciclo ''Donne russe'' ({{russo|Русские женщины|Russkie ženščiny}}), unendo un approccio lirico al mondo con una composizione chiara e nitida. In generale, l'interesse di Popkov e Ivanov per il mondo contadino e dei villaggio non è casuale: molti pittori degli anni sessanta e settanta apprezzavano la vita del villaggio per la naturalezza e la bellezza semplice. Ciò è evidente per gli artisti che hanno sperimentato l'influenza di Gerasimov e Plastov, come [[Vladimir Nikolaevič Gavrilov|Vladimir Gavrilov]], [[Vladimir Fëdorovič Stožarov|Vladimir Stožarov]] e i fratelli [[Sergej Petrovič Tkačëv|Sergej]] e [[Aleksej Petrovič Tkačëv|Aleksej Tkačëv]]. Questi artisti non hanno sperimentato l'influenza dello stile severo preferendo gli studi della vita.
[[File:Stamp_of_Russia_2011_No_1514.jpg|miniatura|''Ginnasti dell'URSS'', D. Žilinskij.]]
Allo stile severo aderirono diversi artisti: il bielorusso [[Evsej Evseevič Моiseenko|Evsej Moiseenko]] raggiunse subito l'espressività attraverso la deformazione e un ritmo
==== Nonconformismo ====
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La tolleranza dell'arte nonconformista da parte delle autorità fu altalenante fino alla dissoluzione dell'URSS nel 1991. Gli artisti riuscirono a trarre vantaggio dei primi anni successivi alla morte di Stalin per sperimentare senza temere la persecuzione. La situazione tuttavia peggioro nel 1962, quando [[Nikita Chruščëv]] visitò la mostra per il 30º anniversario dell'Unione degli artisti di Mosca organizzata nel [[Maneggio di Mosca|Maneggio]]. Assieme alle consuete opere del realismo socialista, vi erano alcuni lavori astratti di artisti come [[Ernst Iosifovič Neizvestnyj|Ernst Neizvestnyj]] ed [[Elij Michailovič Beljutin|Elij Beljutin]], e Chruščëv rimase contrariato dalle opere noncomformiste definendole "merda".<ref>{{Cita web|url=https://subscribe.ru/archive/history.sezik/200202/03135229.html|titolo=Хронографъ Выпуск 62|sito=subscribe.ru|lingua=ru|accesso=1º aprile 2019}}</ref>
L'incidente più infelice riguardante gli artisti nonconformisti dell'URSS fu la Mostra Bul'dozer ({{russo|Бульдозерная выставка|Bul’dozernaja vystavka}}) del 1974, che prese parte in parco poco fuori Mosca e nella stazione [[Beljaevo]],<ref name="Bul'">{{Cita web|url=https://histrf.ru/biblioteka/b/chto-takoie-buldoziernaia-vystavka|titolo=Что такое «Бульдозерная выставка»?|autore=Vladimir Ivanov|sito=Istorija.rf|data=19 marzo 2018|lingua=ru|accesso=1º aprile 2019}}</ref> ed incluse le opere di artisti come [[Oskar Jakovlevič Rabin|
==== Nelle repubbliche ====
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L'armeno Minas Avetisjan dipinse opere tematiche, paesaggi, ritratti e nature morte, con colori profondi e grandi strati di piani colorati, mentre Sarkis Muradjan si fece coinvolgere dalla moderna scuola neorealista.
I maestri kazaki Sabur
==== Arte monumentale ====
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A Mosca sono state eseguite molte opere monumentali e decorative: i mosaici del Museo-panorama di Borodino, il cinema ''Oktjabr''', il Museo delle Forze armate dell'URSS (oggi Museo centrale delle Forze armate )e altre. Maestri come [[Nikolaj Ivanovič Andronov|Nikolaj Andronov]], [[Andrej Vladimirovič Vasnecov|Andrej Vasnecov]], I. I. Derviz, Jurij Korolëv, Boris Miljukov, [[Leondi Grigorevič Poliščuk|Leonid Poliščuk]], Igor' Pčelnikov, Boris Tal'berg, [[Boris Petrovič Černyšev|Boris Černyšev]], [[Viktor Pavlovič El'konin|Viktor El'konin]] e altri diedero un contribuito importante allo stile assieme ai maestri più giovani, come [[Oleg Pavlovič Filatčev|Oleg Filatčev]].
A Kiev lavoravano Vladimir Mel'ničenko e Ada Rybačuk, mentre a [[Vilnius]] Al'gimantas Stoškus realizzava le vetrate colorate e a [[Tbilisi]] furono attivi Bella Berdzenišvili e N. J. Ignatov.<ref>{{Cita|Sarab’janov|pp. 369-370}}.</ref>
=== Scultura ===
[[File:Dimitrii_michailowitsch_karbischew.jpg|miniatura|Monumento al generale Karbyšev.]]
Nel dopoguerra, la scultura si sviluppò dedicandosi al tema dell'eroismo dei soldati e delle vittime della seconda guerra mondiale. Il ruolo centrale era occupato dalle composizioni statuarie e dai memoriali, ovvero il complesso architettonico e scultoreo del monumento considerato più adatto all'espressione del tema dell'umanesimo e della vittoria sulla morte.<ref>{{Cita|Sarab’janov|p. 370}}.</ref>
Negli anni sessanta e settanta, per la nuova generazione di scultori, così come per i pittori, il compito principale era quello di liberarsi dai cliché, dagli stereotipi figurativi e dalle raffigurazioni grandiose. Le tematiche erano le situazioni drammatiche della vita, e lo sviluppo di nuove tendenze ideologiche venne accompagnato da una nuova ricerca di un linguaggio espressivo.<ref name="S373">{{Cita|Sarab’janov|pp. 371-373}}.</ref>
Questa generazione è rappresentata da Tat'jana Sokolova, che affermò le caratteristiche volumetriche e specifiche della scultura. Studiò l'eredità artistica dei precedenti maestri, in particolare quella di A. T. Matveev. Nelle opere della Sokolova, l'atmosfera speciale di romanticismo viene creata dalla capacità di discernere nel quotidiano il grande nel piccolo. Negli anni settanta, come altri scultori del tempo, iniziò a lavorare su una varietà di materiali impiegando varie soluzioni diverse e creando nuove possibilità scultoree. Da ricordare la sua composizione in rame ''Maternità'' ({{russo|Материнство|Maternistvo}})<ref>{{Cita web|url=http://maslovka.org/images/555/SOKOLOVA-3.jpg|titolo=Материнство}}</ref> del 1970 e ''Natura morta con un gatto'' ({{russo|Натюрморт с кошкой|Natjurmort s koščkoj}} (1973-1974), con la quale introdusse la natura morta in una scultura sia lirica che grottesca.<ref name="S373" />
Alla Pologova diede un contributo importante allo sviluppo della rappresentazione scuoltorea sovietica: studiò e interpretò le tradizioni di Matveev, avvicinandosi gradualmente al romanticismo. La composizione ''Maternità'' (1960) è ben nota per una generalizzazione monumentale di quel tempo, ma anche verso una ricerca di significato interiore. La sua tendenza lirica è evidente nell'opera ''Il ragazzo che non ha paura degli uccelli'' (({{russo|Мальчик, которого не боятся птицы|
Dmitrij Šachovskoj scolpì seguendo tale tendenza: i suoi ''Pescatori della Kamčatka''<ref>{{Cita web|url=https://ru.wikipedia.org/w/index.php?title=%D0%A4%D0%B0%D0%B9%D0%BB:%D0%94.%D0%9C._%D0%A8%D0%B0%D1%85%D0%BE%D0%B2%D1%81%D0%BA%D0%BE%D0%B9._%D0%9A%D0%B0%D0%BC%D1%87%D0%B0%D1%82%D1%81%D0%BA%D0%B8%D0%B5_%D1%80%D1%8B%D0%B1%D0%B0%D0%BA%D0%B8_(1959).jpg&oldid=60915855|titolo=Д.М. Шаховской. Камчатские рыбаки|sito=Wikipedia|lingua=ru}}</ref> ({{russo|Камчатские рыбаки|Kamčatki rybaki}}) (1959) sono contrassegnati da uno schema monumentale generalizzato dallo stile severo, mentre la composizione ''Pane'' ({{russo|Хлеб|Chleb}}) (1971) è complessa e drammatica. Nina Žilinskaja si distinse per gli stessi tratti caratteristici (''Parlando d'arte'', ''Ritratto di A. Zelenskij''),<!--Разговор об искусстве, Портрет А. Зеленского--> così come Jurij Aleksandrov (''Geologo Dojnikov'',<ref>{{Cita web|url=http://www.rulex.ru/rpg/portraits/26/26561.htm|titolo=Дойников Н. (геолог)|lingua=ru}}</ref> rilievi ''Simboli dell'arte'' per il teatro di [[Saratov]]).<!--Геолог Дойников, Символы искусства--><ref name="S373" />
Daniel' Mitljanskij si dimostrò un maestro della scultura lirica, creando una delle sculture sovietiche più drammatiche, ovvero ''La dodicesima brigata internazionale va al fronte'' ({{russo|12-я интербригада уходит на фронт|12-ja interbrigada uchodit na front}}) del 1969. Il suo linguaggio artistico è caratterizzato non dal volume, ma dalla linea, dalla sagoma e dal forte confronto dei piani. Il suo materiale prediletto era il rame. L'opera ''Fisica. Insegnanti e studenti'' ({{russo|Физики. Преподаватели и студенты|Fiziki. Prepodavateli i studenty}}) (1966-1967) riflette la realtà e analizzando i personaggi viene mostrata la relazione tra due diverse generazioni. Nel complesso ''L'otto marzo nel sovchoz delle renne della Kamčatka'' ({{russo|Восьмое марта в камчатском оленеводческом совхозе|
Tra gli scultori di Mosca spiccarono Oleg Komov e Jurij Černov, che lavorarono in diversi generi
In generale, gli scultori attivi tra la fine degli anni cinquanta e l'inizio degli anni sessanta, caratterizzarono "il persistente desiderio di formulare nelle immagini dell'arte profondi valori spirituali ed estetici corrispondenti alla ricca vita spirituale dell'uomo moderno".<ref name="S373" />
==== Complessi memoriali ====
Molti memoriali furono realizzati in molti paesi dove l'URSS aveva lasciato il segno: complessi commemorativi furono creati negli ex campi di concentramento nazisti ([[Auschwitz]], [[Buchenwald]], [[Campo di concentramento di Sachsenhausen|Sachsenhausen]], [[Majdanek]], [[Mauthausen-Gusen|Mauthausen]], [[Ravensbruck]]) e nei siti di battaglie (Stalingrado). Furono realizzati complessi nel territorio sovietico e nelle aree prossime al blocco orientale (Come il [[Memoriale sovietico (Treptower Park)|memoriale sovietico di Treptower Park]] e il [[
▲Molti memoriali furono realizzati in molti paesi dove l'URSS aveva lasciato il segno: complessi commemorativi furono creati negli ex campi di concentramento nazisti ([[Auschwitz]], [[Buchenwald]], [[Campo di concentramento di Sachsenhausen|Sachsenhausen]], [[Majdanek]], [[Mauthausen-Gusen|Mauthausen]], [[Ravensbruck]]) e nei siti di battaglie (Stalingrado). Furono realizzati complessi nel territorio sovietico e nelle aree prossime al blocco orientale (Come il [[Memoriale sovietico (Treptower Park)|memoriale sovietico di Treptower Park]] e il [[Memoriale_sovietico_(Tiergarten)|memoriale sovietico di Tiergarten]], entrambi a Berlino. Oppure il monumento al generale Karbyšev a Mauthausen).<ref name="S371">{{Cita|Sarab’janov|pp. 370-371}}</ref>
Il disegno del monumento è determinato in base al paesaggio circostante, e quest'ultimo diventa la parte principale del complesso che non ha bisogno di strutture aggiuntive. Ciò è avvenuto per le opere situate sul luogo di eventi storici come il monumento a [[Babij Jar]] (Kiev) e il Memoriale ''Nevskij pjatčok'' vicino a Leningrado.<ref name="S371" />
Un complesso memoriale include spesso un'esposizione museale, come per la Fortezza di [[Brėst]] dove è anche esposto un monumento agli eroi della battaglia di Stalingrado (scultore [[Evgenij Viktorovič Vučetič|E. V. Vučetič]]). Altri monumenti furono progettati per il cimitero di Piskarevskoe (scultori [[Vera Isaeva]], [[Robert Taurit]]) e per il complesso memoriale di Salaspils (1969, scultori Lev Bukovskij, Janis Sarin', Oleg Skarajnis; architetti Gunnar Asaris, Oleg Zakamennyj, Ivars Strautmanis e Ol'gerts Ostenbergs). Lo spazio della natura è combinato con i volumi architettonici e scultorei, rimanendo pur sempre un punto di riferimento: il monumento nel villaggio di Pirčupis (1960) di Gediminas Iokubonis venne creato con questo principio. Per il memoriale di [[Chatyn']] in Bielorussia fu impiegata una soluzione diversa, in modo da rappresentare e ricordare i resti dei villaggi bruciati dai nazisti. In tutti questi casi, la scultura gioca un ruolo fondamentale. I critici dell'arte sovietici consideravano questa serie di monumenti commemorativi come una nuova fase moderna del piano leninista per la propaganda commemorativa.<ref name="S371" />
=== Grafica ===
Negli anni sessanta, la grafica tornò alla ribalta e le stampe vennero ampiamente distribuite.<ref name="S375">{{Cita|Sarab’janov|pp. 373-375}}.</ref>
Gurij Zacharov rappresentò una delle prove più vivide dei cambiamenti. In un primo momento, la sua percezione "urbana" della vita, caratteristica di tutta la sua generazione, è presente, ad esempio, nella [[linoleografia]] ''Mosca. Prospettiva Mira'' ({{russo|Москва. Проспект Мира|Moskva Prospekt Mira}}) (1960), dove sono combinate le caratteristiche del nuovo e del vecchio. ''Jauza'' (Яуза) (1962) mostra le stesse caratteristiche. Negli anni settanta, l'arte di Zacharov si stava evolvendo verso la percezione espressiva e personale, come è evidente nella sua ''Cena di Mosca'' (1966-1967),<!--Московском ужине--> e nel suo lavoro cominciò a comparire un'incisione più malleabile. Zacharov era alla ricerca di impressioni nitide sul paesaggio urbano, rivelando le dinamiche della vita moderna (''Ponte Konjušennyj'', 1970; ''Ponte cantante'', 1969).<ref name="S375" /><!--Конюшенный мост, Певческий мост-->
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Illarion Golicyn si distinse dalla stessa acuta percezione figurativa. In ''Mattino a Mosca'' e ''Il muro'' (1961)<!--Утро в Москве, Стена--> vengono mostrate idee puramente drammatiche sulla vita della città. Come Zacharov, si interessò ai segni oggettivi del tempo, ma a metà degli anni sessanta le sensazioni personali prevalsero nel suo lavoro, e l'espressione lirica, come caratteristica principale del suo stile, si manifesta nella percezione e nell'interpretazione del mondo. Vi è una crescente attenzione al paesaggio rurale e alla lettura intima e concreta della vita. I suoi fogli più noti sono ''Mattino a Favorskij'' (1963), ''Poesie'', ''Alla macchina per incidere. Favorskij'' (1961),<!--Утро у Фаворского; Стихи; У офортного станка. Фаворский--> vari ritratti di V. A. Favorskij con suo nipote (1965) e vari ritratti della moglie dell'artista con un bambino (1965). Golicyn si allontanò dagli stereotipi all'interno della percezione personale del mondo. Tuttavia, Zacharov e Golicyn dovettero prepararsi ad un calo di interesse per la stampa grafica.<ref name="S375" />
Andrej Ušin spiccò tra gli artisti di Leningrado che determinarono lo sviluppo della grafica a cavallo tra gli anni cinquanta e la prima metà degli anni sessanta (''Suite sui fili'', ''Mattino'', 1960).<!--Сюита о проводах, Утро--> Degne di nota sono anche le opere di Anatolij Borodin (''Tè nella tundra'', ''Tornato dalla tundra'', 1961).<!--Чай в тундре, Приехали из тундры--> Al'bina Makunajte creò delle originali stampe decorative e illustrazioni per la fiaba ''
Nell'arte grafica, nacque il desiderio di un'analisi approfondita e completa dei processi spirituali nella vita dell'uomo moderno. Questa circostanza causò un calo di interesse per la stampa e una diminuzione della sua popolarità. Gli artisti passarono dalla stampa al disegno, agli acquerelli e alla tempera.<ref name="S375" />
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=== Architettura ===
Il grande processo d'industrializzazione riguardò principalmente l'edilizia abitativa, poiché era necessario risolvere il problema del tipo di appartamento e condominio ideale per le masse, e venne avviata la costruzione di aree di grandi matrici.<ref name="S377">{{Cita|Sarab’janov|p. 377}}.</ref>
[[File:Pushkinsky_Cinema_00.jpg|miniatura|Cinema ''Puškinskij''.]]
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L'architettura nazionale delle repubbliche sovietiche si sviluppò secondo gli stessi principi, ma sottolineò l'originalità. Il Palazzo delle Arti di [[Tashkent]] (1962-1964)<ref>{{Cita web|url=http://architime.ru/specarch/uzgosproject/palace_of_arts.htm#1.jpg|titolo=Дворец искусств в Ташкенте|sito=architime.ru|lingua=ru}}</ref> collega semplici forme architettoniche con degli affreschi colorati, ma la forma dell'edificio è originale ed assomiglia a una colonna scanalata orizzontale. La facciata dell'Ufficio Karakumstroj (1967) dell'ex Ministero della bonifica e gestione delle risorse idriche dell'URSS ad [[Aşgabat]] intreccia gli ornamenti nazionali e le immagini scultoree convenzionali.<ref name="S377" />
Lo stile dell'architettura sovietica di questo periodo era in continua evoluzione. Si allontanò dal razionalismo, superando l'aridità inerente alla fase iniziale e avvicinandosi alla conformità con le forme organiche. Alcuni esempi sono il Palazzo delle esposizioni d'arte a Vilnius (1967) e il padiglione dell'URSS per l'[[Expo 1970]] di Osaka (1967-68).<ref>{{Cita web|url=http://architectuul.com/architecture/expo-70-soviet-pavilion|titolo=Expo 70 Soviet Pavilion|sito=architectuul.com|lingua=en|accesso=1 aprile 2019|dataarchivio=20 luglio 2014|urlarchivio=https://web.archive.org/web/20140720233104/http://architectuul.com/architecture/expo-70-soviet-pavilion|urlmorto=sì}}</ref> Quest'ultimo era composto da linee curve e da forme fluide e mantenne il rigore e la fattibilità delle precedenti strutture architettoniche.<ref name="S377" />
=== Arti decorative e design ===
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== Anni ottanta ==
La storia dell'arte sovietica degli ultimi anni è stata dominata dalla politica e da formule semplicistiche. Sia nel mondo dell'arte e sia tra il pubblico in generale, fu data poca considerazione al carattere estetico di opere prodotte a cavallo tra gli anni settanta e ottanta. Invece, l'arte ufficiale e non del periodo stava al passo degli sviluppi politici negativi o positivi, inoltre vi erano numerosi gruppi artistici in competizione a Mosca e Leningrado durante tutto questo periodo. Gli artisti più importanti sulla scena internazionale sono stati [[
Negli anni ottanta, le politiche di [[Michail Gorbačëv]] della ''[[Perestrojka]]'' e della ''[[Glasnost']]'' ostacolarono le autorità nell'imporre restrizioni agli artisti o alla loro libertà di espressione.
Alcuni collezionisti dell'Europa occidentale supportarono molti artisti sovietici tra gli anni sessanta e il periodo della ''[[perestrojka]]''. Tra i principali collezionisti e filantropi vi era la coppia formata da Kenda e Jacob Bar-Gera: la loro collezione consta di più di 200 opere di 59 artisti della Russia sovietica che non vollero seguire le direttive artistiche ufficiali dell'URSS post-stalinista.<ref name="Brown">{{Cita news|lingua=en|autore=Mark Brown|url=https://www.theguardian.com/artanddesign/2016/nov/25/russian-art-collection-jewish-couple-captured-by-nazis-jacob-kenda-bar-gera|titolo=Russian art collection of Jewish couple who survived the Nazis goes on display|pubblicazione=The Guardian|data=25 novembre 2016}}</ref> Kenda e Jacob Bar-Gera, entrambi sopravvissuti all'[[olocausto]], supportarono gli artisti perseguitati inviando loro soldi o materiali per dipingere dalla [[Germania Ovest]] all'Unione Sovietica. Anche se i Bar-gera non incontrarono mai di persona gli artisti, comprarono molti dei loro dipinti e altre opere d'arte, contrabbandati in Germania nascosti nelle
La collezione vanta le opere di [[Vagrič Akopovič Bachčanjan|Vagrič Bachčanjan]], [[Vladimir Borisovič Jankilevskij|Vladimir Jankilveskij]], Oskar Rabin,
[[Illja Kabakov]], [[Pëtr Ivanovič Belenok|Pëtr Belenok]], [[Dmitrij Michajlovič Krasnopevcev|Dimitrij Krasnopevcev]], [[Igor’ Alekseevič Novikov|Igor' Novikov]], Valentina Kropivnickaja, [[Michail Michajlovič Šemjakin|Michail Šemjakin]], [[Lev Con il [[collasso dell'Unione Sovietica]], la nuova economia di mercato favorì lo sviluppo di un sistema di gallerie private e gli artisti non dovettero più essere assunti dallo stato, potendo lavorare liberamente secondo i loro gusti o quelli del proprio mecenate privato.
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== Bibliografia ==
* {{Cita libro|autore=Dmitrij V. Sarab’janov|titolo=История русского и советского искусства|anno=1979|editore=Высшая школа|cid=Sarab’janov}}
* {{Cita libro|autore=Alkesandr I. Morozov|titolo=Конец утопии: Из истории искусства в СССР 1930-х гг.|url=https://www.worldcat.org/oclc/34123705|data=1995|editore=Izd-vo "Galart"|
* {{Cita libro|autore=Ekaterina J. Degotʹ|titolo=Русское искусство XX века|url=https://www.worldcat.org/oclc/47188736|data=2000|editore=Трилистник|ISBN=5-89480-031-5}}
* {{Cita libro|autore=Aleksandr I. Morozov|titolo=Поколения молодых: Живопись советских художников 1960-х — 1980-х гг.|url=https://www.worldcat.org/oclc/20596450|data=1989|editore=Советский художник|ISBN=5-269-00092-X}}
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* [[Monumento a Jurij Gagarin]]
* ''[[L'operaio e la kolchoziana]]''
* ''[[
* [[Fontana Barmalej]]
* ''[[Ai liberatori del Donbass]]''
== Altri progetti ==
{{interprogetto}}
== Collegamenti esterni ==
* {{Cita web|url=http://www.rsu.edu.ru/files/e-learning/History_of_Art/List.html|titolo=Отечественная художественная культура|lingua=ru|urlarchivio=https://web.archive.org/web/20101219130742/http://www.rsu.edu.ru/files/e-learning/History_of_Art/List.html|urlmorto=sì}}
* {{Cita web|url=http://painting.artyx.ru/books/item/f00/s00/z0000007/index.shtml|titolo=Историко-революционная тема в советском изобразительном искусстве|autore=M. A. Oplova|data=1964|lingua=ru}}
* {{Cita web|url=http://www.bibliotekar.ru/istoria-iskusstva-russia/index.htm|titolo=ИСКУССТВО - История русского изобразительного искусства
{{Unione Sovietica}}
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[[Categoria:Storia dell'arte]]
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