Marcello Mascherini: differenze tra le versioni

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[[File:Marcello Mascherini.jpeg|thumb|Marcello Mascherini]]

== Biografia ==

Nacque da Maria Luigia Mascarin e da padre ignoto, ilmembro qualedi nonuna benestante famiglia pordenonese di orafi ed artisti, tra cui lo riconobbescultore alla[[Antonio Marsure]] (Pordenone, 1807 – nascita1855). Dopo una permanenza a Fagnigola di [[Azzano Decimo]], nel 1912 si trasferisce a Trieste, importante città dell’Impero Austro-Ungarico, ma nella primavera del 1915 è costretto a fuggire assieme alla madre, in quanto sudditi del Regno d’Italia, per via della [[evacuazione del Trentino e del Litorale austriaco]]<ref>{{Cita web|url=http://www.marcellomascherini.it/biografia|titolo=Biografia « Marcello Mascherini|lingua=it-IT|accesso=2024-10-11}}</ref>. Stabilitosi ad Isernia, nel Molise, apprende i primi rudimenti artistici frequentando artigiani locali e si diploma alla Regia Scuola d’arte applicata all’industria. Ritorna a [[Trieste]] solamente nel [[1919]]1920 alla conclusione della [[Prima guerra mondiale|Guerra]]. Qui frequenta la Scuola per capi d'arte dell'Istituto industriale "Alessandro Volta", dove si formò con [[Alfonso Canciani]] ediplomandosi poinel con1924 [[Francocome Asco]],scultore diplomandosiornatista nel(livello 1924superiore rispetto allo scalpellino). Lavora quindi per un breve periodo nello studio di quest'ultimo poté sviluppando[[Franco un linguaggio più personaleAsco]], lontanodove dallaapprofondisce formazionela meramentetecnica accademicascultorea.

Il primo a notare le sue capacità è il giornalista e critico d'arte [[Silvio Benco]] nel 1924, a cui segue una prima mostra personale nel 1925 esponendo alcuni gessi al Circolo artistico di Trieste.

Scrivendo di lui nell'importante monografia del 1969, il poeta e amico [[Alfonso Gatto]] riporta:

Nel 1926 partecipa con l’architetto triestino [[Aldo Cervi]] al Concorso Nazionale per il Monumento ai Caduti di Como ed inizia ad ottenere incarichi per monumenti funerari e pubblici. Nel 1928 realizza, su invito dell’architetto [[Umberto Nordio (architetto)|Umberto Nordio]], realizza alcuni bassorilievi per il foyer del nuovo [[Politeama Rossetti|Teatro Politeama Rossetti di Trieste]]. Partecipa inoltre ai concorsi per il Ponte dell’Accademia di Venezia nel 1933, per il Palazzo Littorio a Roma nel 1934 e per il [[Palazzo della Civiltà Italiana]] (E.U.R.) nel 1937, realizzando per quest’ultimo due delle ventotto statue in marmo tuttora collocate al pianterreno: ''L’Archeologia'' e ''Il Genio del Teatro''.

«''questa condizione di autodidatta e di solitario lo costringe ad un più duro lavoro, a smarrimenti e a faticosi recuperi persino a esperienze ormai esaurire da altri; ponendolo in continuo confronto con se stesso e nella necessità di dovere contare soltanto sulle proprie forze, ne è favorito così il definirsi della sua persona.''»

L'esordio avviene con una prima mostra nel [[1925]] esponendo alcuni gessi al Circolo artistico di Trieste. Da qui incomincia un'attività espositiva sempre più intensa a livello nazionale partecipando: dalDal 1931 a tutte le prime dieci rassegne della [[Quadriennale di Roma|Quadriennale romana]], con sale personali nelle edizione deledizioni 1948 e 1959-1960; alle [[Triennale di Milano|Triennali di Milano]] nelle edizioni 1933, 1936, 1951, 1960; a partire dal 1934, ada ben undici edizioni della [[Biennale di Venezia|Biennale Internazionale di Venezia]] con sale personali nel 1938, 1942, 1954, 1962 e ricevendo nel 1950 il Primo Premio per la Scultura ex-aequo con [[Luciano Minguzzi]]; alle [[Biennali d’Arte Triveneta]] e [[Concorsi Internazionali del Bronzetto di Padova]] (ininterrottamente dal 1951 al 1973)<ref>{{Cita web|url=http://www.marcellomascherini.it/biografia|titolo=Biografia « Marcello Mascherini|lingua=it-IT|accesso=2024-10-10}}</ref>. LaIn particolare la I Quadriennale del 1931 gli permette di entrare in contatto con la scultura di [[Medardo Rosso]], ma soprattutto di [[Arturo Martini]], che, come ebbe egli stesso a dire, gli fornì una “scossa”,provocandogli una profonda emozione (assieme alla scoperta dell’arte etrusca nel [[Museo nazionale etrusco di Villa Giulia|Museo di Villa Giulia]] a Roma), tali da spingerlo ad una libertà e ad una spontaneità della forma, a cui, dentro di sé, già aspirava. Alla V Triennale di Milano del 1933, nel salone dellacentrale del [[Palazzo dell'Arte]] per la Mostra Internazionale dei Trasporti ordinata da [[Gustavo Pulitzer-Finali|Gustavo Pulitzer Finali]] con disegni di [[Bruno Munari]], espone la grande opera in gesso ''Icaro'', per cui riceve il Diploma di medaglia d’argento. L’anno successivo l’opera verrà riallestita, nella “Sala d’Icaro” dello stesso edificio dall’architetto [[Giuseppe Pagano (architetto)|Giuseppe Pagano]] con una pittura murale nuovamente di Bruno Munari, per l’Esposizione dell’Aeronautica Italiana. alMentre Palazzoalla dell’ArteBiennale delladi TriennaleVenezia didel 1938 è salutato come una delle giovani promesse dell'arte italiana, complice l’ammirazione per l’idealismo classico del francese [[Aristide Maillol]], raggiungendo un sentimento plastico ripetutamente premiato nelle importanti rassegne nazionali: nel 1940 ottiene da Benito Mussolini il Premio Unico dell’Accademia d’Italia per la scultura; nel 1941, per ''Eva'' (1939), il Primo [[Premio per la Scultura “Medardo Rosso”]] alla III Mostra del Sindacato Nazionale Fascista Belle Arti a Milano; per ''Venere marina'' (1942) il Primo [[Premio Nazionale di Scultura “Donatello”]] a Firenze nel 1943 e nello stesso anno il Primo [[Premio per la Scultura alla Mostra Nazionale d’Arte]] a Verona.

Nel 1931, su invito di [[Gio Ponti|Giò Ponti]] e Gustavo Pulitzer Finali, esegue i due profili in bronzo ''Il Duce'' e ''Il Re'' per la Sala delle Feste della motonave Victoria I. Entra in contatto con lo scultore [[Libero Andreotti]], il pittore [[Augusto Černigoj|Augusto Cernigoj]] e gli architetti Gustavo Pulitzer Finali e Giò Ponti, iniziando così una lunga attività di collaborazione con artisti ed architetti di fama per la realizzazione di opere d’arte collocate in transatlantici e navi da crociera: ''Calitea'' (1933), ''Vulcania'' (1934), ''Saturnia'' (1936), ''Roma'' (turbonave, 1938), ''[[Roma (nave da battaglia 1940)|Roma]]'' (corazzata, 1940), ''Italia'' (1948), ''Esperia'' (1949), ''Conte Biancamano'' (1949), ''Australia'' (1950-51), ''Augustus'' (1951), ''Homeric'' (1954), ''San Giorgio'' (1956), ''Ausonia'' (1957), ''Federico C.'' (1958), ''Franca C.'' (1959), ''Leonardo da Vinci'' (1960), ''Guglielmo Marconi'' (1962), ''Oceanic'' (1964), ''Italia'' (1965), ''Raffaello'' (1965), ''Angelina Lauro'' (1966), ''[[Achille Lauro (nave)|Achille Lauro]]'' (1966).

Nel 1940, su segnalazione di Giò Ponti, viene invitato a collaborare al riallestimento della sede del Rettorato dell’Università di Padova, il [[Palazzo del Bo]], assieme ad altri importanti artisti, tra i quali Arturo Martini, [[Massimo Campigli]], [[Filippo de Pisis|Filippo De Pisis]], [[Gino Severini]], [[Bruno Saetti]] e [[Achille Funi]], realizzando i battenti figurati bronzei ''Minerva'' e ''Apollo'' del portale del Senato Accademico e della Basilica, nonché il ''Crocefisso'' per la stanza del Rettore. È l’occasione di conoscere l’artista padovano dello smalto [[Paolo De Poli]], con cui stringerà un lungo sodalizio. La collaborazione con noti architetti prosegue con il Primo Premio del [[Pontificia commissione centrale per l'arte sacra in Italia|Concorso della Pontificia Commissione Centrale per l’Arte Sacra]] nel 1951 per una grande scultura da porre sulla facciata della [[Chiesa di Sant'Antonio Abate (Recoaro Terme)|Chiesa Nuova di S. Antonio Abate]] a Recoaro Terme (Vicenza), innovativo progetto dell’architetto [[Giuseppe Vaccaro (architetto)|Giuseppe Vaccaro]].

Le sue partecipazioni si spingono oltre i confini nazionali, raggiungendo prestigiosi riconoscimenti dall’estero: nel 1936 riceve il Diploma d’Onore alla [[Esposizione d’Arte Italiana Contemporanea]] a Budapest, il Diploma di Medaglia d’Argento all’[[Esposizione di Parigi (1900)|Esposizione Internazionale di Parigi]] nel 1937 e la Medaglia d’Oro per la Scultura all’[[Esposizione Internazionale di Budapest]] nel 1938, mentre nel 1939 viene invitato all’[[Esposizione Universale di New York]]. ricordando la decisiva [[Biennale di San Paolo|I Biennale Internazionale di San Paolo del Brasile]] del 1951 (la seconda biennale più longeva dopo quella veneziana), ritornandovi poi alla II edizione del 1953, vincendo il Premio Acquisto per il [[Museo d'Arte Moderna di San Paolo|Museo d’Arte Moderna di San Paolo]]. Dal 1953 partecipa ad otto rassegne della [[Biennale di Scultura di Anversa]], facendo conoscere la propria opera in vari musei europei. Nel 1957 il critico [[Bernhard Degenhart]] promuove con forza una sua mostra personale a Monaco di Baviera, che diventerà itinerante toccando le maggiori città tedesche. Espone in innumerevoli mostre di scultura italiana itineranti all’estero, di è da ricordare il tour in Giappone, tenendo a Tokyo due mostre personali nel 1968 e 1972. Musei giapponesi conservano sue opere, tra cui ad esempio i grandi bronzi ''Chimera alata'' (1958) e ''Primavera'' (1968), entrambi al [[The Hakone Open Air Museum]] a Yokohama. Risulta poi vincitore del [[Premio Parigi]] 1951 a [[Cortina d'Ampezzo|Cortina d’Ampezzo]] e nel 1953 compie il suo primo viaggio nella capitale francese, dove tiene un’importante personale alla Galerie Drouant – David. S’inserisce così nell’ambiente artistico parigino, frequentando ed entrando in amicizia con lo scultore cubista [[Ossip Zadkine]], lo scrittore musicista jazz [[Boris Vian]] e il regista-attore [[Jean-Louis Barrault|Jean Louis Barrault]], che lo riavvicinano al teatro d'avanguardia. Il soggiorno francese si completa con la visita allo studio di [[Constantin Brâncuși|Costantin Brancusi]] e il viaggio a [[Cattedrale di Chartres|Chartres]] per osservare la cattedrale gotica offrono ulteriori stimoli preziosi alla sua ricerca plastica, che, pur attraverso la rivisitazione del linguaggio cubista, raggiunge negli anni '50 forme autonome, stilizzate, di ricercata grazia compositiva.

Nel 1948 esordisce come scenografo e costumista al [[Teatro Verdi (Trieste)|Teatro Verdi]] di Trieste con ''Cartoni animati'', balletto di [[Mario Bugamelli]]. L'attività spettacolare procede con la fondazione nel 1957 del gruppo teatrale [[La Cantina]] (similmente a quello che accadrà nelle cantine romane degli anni '70) presentando opere d'innovazione, talvolta in prime nazionali come L''’ultimo nastro di Krapp'' di [[Samuel Beckett]] con la regia e recitazione protagonista di [[Gian Maria Volonté|Gian Maria Volontè]]. Fino al 1974, le numerose collaborazioni con il Teatro Verdi e il [[Politeama Rossetti|Teatro Stabile di Trieste]] si contano oltre venticinque spettacoli nel ruolo di scenografo, costumista e regista. Due produzioni romane da ricordare sono le scene e i costumi per il balletto contemporaneo ''Tautologos'' di [[Aurel Milloss]] (musiche di [[Luc Ferrari]]) e il ''Don Giovanni di Mozart'' al [[Teatro dell'Opera di Roma|Teatro dell’Opera di Roma]], rispettivamente nel 1969 e nel 1970.

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[[File:Marl Mascherini 01.JPG|thumb|Sculptura ''Cantico dei Cantici'' (1957) sculpturepark Paracelsus-Klinik, [[Marl]] in Germania]]

L'opera, soprattutto scultorea, di Mascherini potrebbe essere riassunta in "periodi", tuttavia deve essere considerato come idee e forme per un artista siano confluenti tra di esse anche a distanza di decenni. In principio egli fa riferimento a forme fortemente muscolari ma dialoganti con dell'[[art déco]] degli anni '20. Il giovane artista raccoglie commissioni più "decorative", come è il caso del [[Cimitero monumentale di Sant'Anna|Cimitero di Sant'Anna]] e altri cantieri edilizi di Trieste. Questo primo periodo più "architettonico" necessita di ulteriori approfondimenti. Tuttavia si nota già un interesse nel modellato di alcuni rilevanti protagonisti nazionali come [[Medardo Rosso]]. Nei tardi anni '20 le forme si fanno più abbondanti e rigide, tipicamente razionaliste. Nei primi anni '30 l'ammirazione per il gusto [[Arturo Martini|martiniano]] è evidente, intuizione che darà il plauso a Mascherini dalla critica dell'epoca. Il 1931 è un anno di svolta, visita infatti il sito romano di [[Villa Giulia]], rimanendo affascinato dalla collezione antica, provocandogli una spinta che si può definire [[Aby Warburg|warburghiana]] - ''Nachleben der Antike'', sopravvivenza dell'antico - che non lo abbandonerà più come si evice sia tematicamente nei numerosi riferimenti ai titoli delle opere (dalla mitologia mediterranea) sia formalmente (sezionando ad esempio gli arti delle sculture per richiamare il danno subìto dalle opere antiche, senza dimenticare la tensione delle forme fanciullesche o abbondanti). Non è da escludere che una certa influenza sull'opera mascheriniana sia dovuta alla [[Statuaria prenuragica e nuragica|scultura nuragica]], ma non è chiaro quando questa influenza si debba far iniziare. Altre influenze rilevanti sono quelle date dalla produzione di [[Aristide Maillol]] già evidente nei primi anni '40 e più tardi dai volumi geometrici dati dalla scultura cubista di [[Constantin Brâncuși|Brancusi]]. Aprendosi quindi alle avanguardie europee più "nobili" dell'epoca. Testamento scultoreo "mediterraneo" dell'artista è il grandissimo bassorilievo di 12 m di diametro, l'''Anello degli Argonauti'', oggi in due esemplari al [[Museo nazionale della scienza e della tecnologia Leonardo da Vinci|Museo della Scienza di Milano]] e nell'Aula Magna dell'[[Università degli Studi di Trieste|Università di Trieste]] (il gesso preparatorio). Le sculture dalle forme abbondanti dei tardi anni '40 incominciano a mutare in una tensione più "acrobatica" come la definisce Alfonso Gatto, concludendosi a singhiozzo all'inizio degli anni '60. Probabilmente questo periodo culmina alla metà degli anni '50, caratterizzato da volumi con articolazioni - soprattutto all'altezza delle mani, piedi e collo - molto affusolate e fragili, ma immerse in un'atmosfera idilliaca e edenica. Le intersezioni degli arti risultano cubiste, ma elettrizzate da un gusto mediterraneo tutto particolare. Le figure sembrano tutte partecipanti a una danza rituale, abbandonate da ogni sforzo o fatica. Con il progetto per il Monumento di [[Campo di concentramento di Auschwitz|Auschwitz]], questa epoca bucolica sembra in parte sfiorire. IlTale progetto internazionale è stata una notevole azioneoperazione da parte di diversi paesi del blocco occidentale durato dieci anni (1957-1967) e incontrando diversi ostacoli e cambi di direttivo. La prima fase di scrematura delle proposte progettuali - gestita da una giuria internazionale presieduta prima dallo scultore britannico [[Henry Moore]] e poi dallo storico dell'arte italiano [[Lionello Venturi]] - ha visto 426 gruppi da tutto il mondo, di cui solo 7 passarono la prima selezione. Il gruppo composto rappresentante la città di Trieste, composto da Mascherini e [[Roberto Costa (architetto)|Roberto Costa]], era riuscito a inserirsi in quest'ultima rosa di scelte, tuttaviaottenendo una "residenza d'artista" per qualche giorno all'interno del campo. Tuttavia verrà affidato il cantiere a Roma con il team [[Julio Lafuente]], [[Pietro Cascella]], [[Andrea Cascella]] (gli altri erano: primo gruppo di Varsavia con [[Oskar Hansen]], [[Jerzy Jarnuszkiewicz]], [[Julian Pałka]], [[Lechosław Rosiński]], [[Edmund Kupiecki]], [[Zofia Hansen]], [[Tadeusz Plasota]]; secondo gruppo di Varsavia con [[Alina Szapocznikow]], [[Jerzy Chudzik]], [[Roman Cieslewicz|Roman Cieślewicz]], [[Bolesław Malmurowicz]]; secondo gruppo di Roma con il team [[Maurizio Vitale (architetto)|Maurizio Vitale]], [[Giorgio Simoncini]], [[Tomasso Valle]], [[Pericle Fazzini|Percile Fazzini]]; gruppo di Berlino Ovest con [[Helmut Wolff (architetto)|Helmut Wolff]]; terzo gruppo di Varsavia con [[Andrzej Jan Wróblewski]], [[Andrzej Latos]]). All'inizio degli anni '60 si nota un'ulteriore evoluzione del gusto mascheriniano che affida sempre più la "pelle" - come la definisce l'amico [[Giuseppe Zigaina]] - al calco intrinsecamente drammatico della [[Carso|pietra carsica]]. Lo stesso Mascherini dichiara che con ''Morte in miniera'' (1962) questa propensione all'affidarsi totalmente alle forze della natura è ormai dichiarata., Quest'opera è poi dedicata alla tragica vicenda dei [[Disastro di Marcinelle|minatori italiani di Marcinelle]]. Le figure umane diventano sempre più "[[Arte informale|informali]]", perdendo i dettagli umani e ritrovando la non-completezza dei bronzetti etruschi. Pareti rocciose, sassi, cortecce e parti di alberi vengono ricomposti in una nuova configurazione e sostituendo abiti e parti del corpo dei soggetti sempre più catturati in istanti tragici. Lacerazioni, grida e contratture parlano di un mondo in pericolo globale. Nei tardi anni '60, ma soprattutto all'inizio degli anni '70, i soggetti vanno incontro a una metamorfosi identicavegetale-antropomorfica aaffine quellaal toccatamito alladi Dafne mitologica: volti e corpi che sono inglobati da un arbusto o un albero, chetrovando assurdamente trovanoe finalmente una pace ora che non sono più formalmente umani. Soprattutto dopo il 1968 si nota come la pelle carsica diventi più protagonista del soggetto stesso, cheora diventa unquasi mero pretesto. Se prima i movimenti umani e quelli vegetali trovavano un ritmo comune, l'artista sembra adesso più interessato al movimento del ramo cresciuto in condizioni difficili sopra il Carso, sbilanciatomodificato tradalle stagionicondizioni caldeatmosferiche auniche quelle troppodella ventosezona. DalNascono 1972di sigetto, piòtra faril cominciare1972 l'ultimoe grandeil periodo1974, quello deii ''Fiori'' (circa quaranta esemplari), ultimo grande "periodo" dove la figura umana è totalmente negataallontanata e rifiutata. SonoSi fioritratta primordialidi maiorganismi esistitivegetali primordiali, una formaforme di vita così lontanalontane dall'epoca attuale da diventare quasi fantascientifici: un secondo testamento mascheriniano dopo quello prettamente "acrobatico". L'operazione puòpotrebbe ricordare i readymade di duchampiana memoria o l'[[arte povera]] che sta prendendo piede tra i nuovi movimenti giovanili. Difficile affermare dove e come l'artista triestino abbia trovato ispirazione, probabilmente nelle lunghe passeggiate vicino al suo atelier di Sistiana e che riportano a una "sopravvivenza della natura" più che dell'antico. Sassi, rami (spezzati, trovati, segati) sono ricomposti poeticamente- come un poeta farebbe con le strofe dice Alfonso Gatto - in una sorta di "pacifica" e muta foresta delda VII Cerchio dantesco. I due nudi ''Pomona'' e ''Bagnante'' del 1981, rievocanti lo stile raffinato degli anni cinquanta, e i busti di ''James Joyce'' (1981) del Giardino Pubblico di Trieste e di ''Monsignor Antonio Santin'' (1982) del Seminario Vescovile concludono idealmente l’intensa attività dell’artista, che muore a Padova il 19 febbraio 1983.

== Sodalizi maturi ==

Nel 1967 trasferisce definitivamente lo studio e l’abitazione a [[Sistiana]] sul Carso, continuando ad intrattenere rapporti ed amicizie con numerosi poeti (tra i quali [[Lina Galli]], [[Alfonso Gatto]], [[Manlio Malabotta]], [[Biagio Marin]], [[Giuseppe Ungaretti]]), scrittori ed intellettuali (tra cui [[Riccardo Bacchelli]], [[Stelio Crise]], [[Gillo Dorfles]], [[Agnoldomenico Pica]], [[Vanni Scheiwiller]], [[Fulvio Tomizza]]), nonché artisti, galleristi e critici d’arte (tra quest’ultimi [[Umbro Apollonio]], [[Giulio Carlo Argan]], [[Fortunato Bellonzi]], [[Jean Boudet|Jean Bouret]], [[Bernhard Degenhart]], [[Gian Alberto Dell'Acqua|Gian Alberto Dell’Acqua]], [[Arturo Marzano (1897-1976)|Arturo Manzano]], [[Giuseppe Marchiori (critico)|Giuseppe Marchiori]], [[Giorgio Mascherpa]], [[Alessandro Mozzambani]], [[Guido Perocco]], [[Erich Steingräber]], [[Marco Valsecchi]]).

== Nomine ==

Ricopre cariche istituzionali nel [[Sindacato delle Belle Arti]] (1940-1971), nell’[[Associazione Artisti d’Italia]] (Milano, 1948), nel [[Consiglio della Biennale di Venezia]] (1952-1956), nel [[Consiglio Superiore delle Antichità e Belle Arti]] (1958-1962), nel [[Consiglio Esecutivo del Comitato Nazionale Scultura all’UNESCO]] (Parigi, 1966-1969), come [[Ispettore per i Beni Culturali ed Ambientali della Provincia di Trieste]] (1971-1983). Fa parte del Curatorio del [[Museo Revoltella|Civico Museo Revoltella]] di Trieste (1940-1975), contribuendo fortemente all’arricchimento della galleria d’arte contemporanea, e del [[Circolo della Cultura delle Arti (CCA)]] di Trieste, di cui è socio fondatore e direttore della sezione arti figurative fin dal 1946, svolgendo un importante ruolo nelle dinamiche artistiche del capoluogo giuliano.

È stato membro di innumerevoli giurie di esposizioni d’arte nazionali ed internazionali, socio dell’[[Accademia degli Sventati]] (Udine, 1943), dell’[[Accademia nazionale di San Luca|Accademia Nazionale di San Luca]] (Roma, 1948), dell’[[Accademia reale del Belgio|Accademia Reale del Belgio]] (Bruxelles, 1961), della [[Société Européenne de Culture]] (Venezia, 1963), dell’[[Accademia Clementina]] (Bologna, 1969), dell’[[Accademia delle arti del disegno|Accademia delle Arti del Disegno]] (Firenze, 1970), nonché del [[Rotary Club Trieste]] dal 1952.

== Bibliografia ==