Marcello Mascherini: differenze tra le versioni

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Nel 1931, su invito di [[Gio Ponti|Giò Ponti]] e Gustavo Pulitzer Finali, esegue i due profili in bronzo ''Il Duce'' e ''Il Re'' per la Sala delle Feste della motonave Victoria I. Entra in contatto con lo scultore [[Libero Andreotti]], il pittore [[Augusto Černigoj|Augusto Cernigoj]] e gli architetti Gustavo Pulitzer Finali e Giò Ponti, iniziando così una lunga attività di collaborazione con artisti ed architetti di fama per la realizzazione di opere d’arte collocate in transatlantici e navi da crociera: ''Calitea'' (1933), ''Vulcania'' (1934), ''Saturnia'' (1936), ''Roma'' (turbonave, 1938), ''[[Roma (nave da battaglia 1940)|Roma]]'' (corazzata, 1940), ''Italia'' (1948), ''Esperia'' (1949), ''Conte Biancamano'' (1949), ''Australia'' (1950-51), ''Augustus'' (1951), ''Homeric'' (1954), ''San Giorgio'' (1956), ''Ausonia'' (1957), ''Federico C.'' (1958), ''Franca C.'' (1959), ''Leonardo da Vinci'' (1960), ''Guglielmo Marconi'' (1962), ''Oceanic'' (1964), ''Italia'' (1965), ''Raffaello'' (1965), ''Angelina Lauro'' (1966), ''[[Achille Lauro (nave)|Achille Lauro]]'' (1966).

Nel 1940, su segnalazione di Giò Ponti, viene invitato a collaborare al riallestimento della sede del Rettorato dell’Università di Padova, il [[Palazzo del Bo]], assieme ad altri importanti artisti, tra i quali Arturo Martini, [[Massimo Campigli]], [[Filippo de Pisis|Filippo De Pisis]], [[Gino Severini]], [[Bruno Saetti]] e [[Achille Funi]], realizzando i battenti figurati bronzei ''Minerva'' e ''Apollo'' del portale del Senato Accademico e della Basilica, nonché il ''Crocefisso'' per la stanza del Rettore. È l’occasione di conoscere l’artista padovano dello smalto [[Paolo De Poli]], con cui stringerà un lungo sodalizio. La collaborazione con noti architetti prosegue con il Primo Premio del [[Pontificia commissione centrale per l'arte sacra in Italia|Concorso della Pontificia Commissione Centrale per l’Arte Sacra]] nel 1951 per una grande scultura da porre sulla facciata della [[Chiesa di Sant'Antonio Abate (Recoaro Terme)|Chiesa Nuova di S. Antonio Abate]] a Recoaro Terme (Vicenza), innovativo progetto dell’architetto [[Giuseppe Vaccaro (architetto)|Giuseppe Vaccaro]]. Di assoluta rilevanza è la ''Minerva'' (1955) in travertino collocata nel 1956 sulla facciata dell’[[Università degli Studi di Trieste|Università di Trieste]], preferita alla ''Dea Roma'' di [[Attilio Selva]]<ref>{{Cita pubblicazione|autore=Massimo De Grassi|anno=2014|titolo=“Ricorda e Splendi”. Catalogo delle opere d’arte dell’Università degli Studi di Trieste|editore=EUT Edizioni Università di Trieste|città=Trieste|p=13|url=https://www.openstarts.units.it/bitstream/10077/9932/1/Ricorda-splendi_openstarts_navigabile.pdf}}</ref>.

Le sue partecipazioni si spingono oltre i confini nazionali, raggiungendo prestigiosi riconoscimenti dall’estero: nel 1936 riceve il Diploma d’Onore alla [[Esposizione d’Arte Italiana Contemporanea]] a Budapest, il Diploma di Medaglia d’Argento all’[[Esposizione di Parigi (1900)|Esposizione Internazionale di Parigi]] nel 1937 e la Medaglia d’Oro per la Scultura all’[[Esposizione Internazionale di Budapest]] nel 1938, mentre nel 1939 viene invitato all’[[Esposizione Universale di New York]]. ricordando la decisiva [[Biennale di San Paolo|I Biennale Internazionale di San Paolo del Brasile]] del 1951 (la seconda biennale più longeva dopo quella veneziana), ritornandovi poi alla II edizione del 1953, vincendo il Premio Acquisto per il [[Museo d'Arte Moderna di San Paolo|Museo d’Arte Moderna di San Paolo]]. Dal 1953 partecipa ad otto rassegne della [[Biennale di Scultura di Anversa]], facendo conoscere la propria opera in vari musei europei. Nel 1957 il critico [[Bernhard Degenhart]] promuove con forza una sua mostra personale a Monaco di Baviera, che diventerà itinerante toccando le maggiori città tedesche. Espone in innumerevoli mostre di scultura italiana itineranti all’estero, di è da ricordare il tour in Giappone, tenendo a Tokyo due mostre personali nel 1968 e 1972. Musei giapponesi conservano sue opere, tra cui ad esempio i grandi bronzi ''Chimera alata'' (1958) e ''Primavera'' (1968), entrambi al [[The Hakone Open Air Museum]] a Yokohama. Risulta poi vincitore del [[Premio Parigi]] 1951 a [[Cortina d'Ampezzo|Cortina d’Ampezzo]] e nel 1953 compie il suo primo viaggio nella capitale francese, dove tiene un’importante personale alla Galerie Drouant – David. S’inserisce così nell’ambiente artistico parigino, frequentando ed entrando in amicizia con lo scultore cubista [[Ossip Zadkine]], lo scrittore musicista jazz [[Boris Vian]] e il regista-attore [[Jean-Louis Barrault|Jean Louis Barrault]], che lo riavvicinano al teatro d'avanguardia. Il soggiorno francese si completa con la visita allo studio di [[Constantin Brâncuși|Costantin Brancusi]] e il viaggio a [[Cattedrale di Chartres|Chartres]] per osservare la cattedrale gotica offrono ulteriori stimoli preziosi alla sua ricerca plastica, che, pur attraverso la rivisitazione del linguaggio cubista, raggiunge negli anni '50 forme autonome, stilizzate, di ricercata grazia compositiva.

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[[File:Marl Mascherini 01.JPG|thumb|Sculptura ''Cantico dei Cantici'' (1957) sculpturepark Paracelsus-Klinik, [[Marl]] in Germania]]

L'opera, soprattutto scultorea, di Mascherini potrebbe essere riassunta in "periodi", tuttavia deve essere considerato come idee e forme per un artista siano confluenti tra di esse anche a distanza di decenni. In principio egli fa riferimento a forme fortemente muscolari ma dialoganti con il gusto [[art déco]] tipico degli anni '20. Il giovane artista raccoglie commissioni più "decorative", come è il caso del [[Cimitero monumentale di Sant'Anna|Cimitero di Sant'Anna]] e altri cantieri edilizi di Trieste. Questo primo periodo strettamente legato all'architettura necessiterebbe tuttavia di ulteriori approfondimenti. Si nota già un interesse nel modellato di alcuni rilevanti protagonisti nazionali come [[Medardo Rosso]]. Nei tardi anni '20 le forme si fanno più abbondanti e rigide, razionaliste. Nei primi anni '30 l'ammirazione per il gusto [[Arturo Martini|martiniano]] è evidente, intuizione che darà il plauso a Mascherini dalla critica dell'epoca. Il 1931 è un anno di svolta, lo scultore visita infatti il sito romano di [[Villa Giulia]], rimanendo affascinato dalla collezione antica, provocandogli una spinta - di forza istintivamente warburghiana, riguardante una [[Pathosformel|sopravvivenza dell'antico]] - che non lo abbandonerà mai più come si evince sia tematicamente nei numerosi riferimenti ai titoli delle opere (dalla mitologia mediterranea) sia formalmente (sezionando ad esempio gli arti delle sculture per richiamare il danno subìto dalle opere antiche, senza dimenticare la tensione delle forme fanciullesche o abbondanti). Non è da escludere che una certa influenza sull'opera mascheriniana sia dovuta alla [[Statuaria prenuragica e nuragica|scultura nuragica]], ma non è chiaro quando questa influenza si debba far iniziare, ma un sicuro impatto l'hanno avuto i piccoli bronzi etruschi con il loro caratteristico modellato: <blockquote>''Gli scultori etruschi ebbero la forza di piantare un uomo, come loro nascente dalla terra, sprigionante tutta una forza naturale che dava una vita autonoma all’opera. I loro bronzetti sono così attuali che non sembra siano trascorsi tanti secoli. Guardandoli sembra che l’artista stia ancora lavorando, prendendo a modello la stessa umanità. Essi sono simili alle piante che per quanto tempo trascorra sono sempre le stesse. Di fronte a tali impressioni crollò definitivamente nel mio spirito l’assioma proclamato dalle teoriche moderne, secondo le quali era necessario sorgesse un’arte del nostro tempo, perché ormai tutto era stato già fatto. Compresi che come un’alba e un tramonto pur restando sempre eguali differentemente si manifestano, dandoci sempre una nuova emozione d’incantamento, così non nella forma sta il comunicare e l’evolversi delle interpretazioni ma nel comprendere l’essenza più pura del suo contenuto''<ref>{{Cita pubblicazionelibro|autore=Lina Galli|anno=1988|mese=agosto-settembre|titolo=Autobiografia ante 1944 raccolta da Lina Galli|rivistaanno=Ilagosto-settembre Momento1988|numeroeditore=210“Il Momento”|p=13|volume=210}}</ref>''.'' (Marcello Mascherini)</blockquote>Altre influenze rilevanti sono quelle date dalla produzione di [[Aristide Maillol]] già evidente nei primi anni '40 e più tardi dai volumi geometrici dati dalla scultura cubista di [[Constantin Brâncuși|Brancusi]], aprendosi quindi alle avanguardie europee più elevate dell'epoca. Testamento scultoreo "mediterraneo" dell'artista è il grandissimo bassorilievo di 12 m di diametro, l'''Anello degli Argonauti'', oggi in due esemplari al [[Museo nazionale della scienza e della tecnologia Leonardo da Vinci|Museo della Scienza di Milano]] e nell'Aula Magna dell'[[Università degli Studi di Trieste|Università di Trieste]] (il gesso preparatorio). Le sculture dalle forme abbondanti dei tardi anni '40 incominciano a mutare in una tensione più "acrobatica" come la definisce Alfonso Gatto, concludendosi a singhiozzo all'inizio degli anni '60. Probabilmente questo periodo culmina alla metà degli anni '50, caratterizzato da volumi con articolazioni - soprattutto all'altezza delle mani, piedi e collo - molto affusolate e fragili, ma immerse in un'atmosfera idilliaca e edenica. Le intersezioni degli arti risultano cubiste, ma elettrizzate da un gusto mediterraneo tutto particolare. Le figure sembrano tutte partecipanti a una danza rituale, abbandonate da ogni sforzo o fatica. Con il progetto per il Monumento di [[Campo di concentramento di Auschwitz|Auschwitz]], questa epoca bucolica sembra in parte sfiorire. Tale progetto internazionale è stata una notevole operazione da parte di diversi paesi del blocco occidentale durato dieci anni (1957-1967) e incontrando diversi ostacoli e cambi di direttivo. La prima fase di scrematura delle proposte progettuali - gestita da una giuria internazionale presieduta prima dallo scultore britannico [[Henry Moore]] e poi dallo storico dell'arte italiano [[Lionello Venturi]] - ha visto 426 gruppi da tutto il mondo, di cui solo 7 passarono la prima selezione. Il gruppo composto rappresentante la città di Trieste, composto da Mascherini e [[Roberto Costa (architetto)|Roberto Costa]], era riuscito a inserirsi in quest'ultima rosa di scelte ottenendo una "residenza d'artista" per qualche giorno all'interno del campo. Tuttavia verrà affidato il cantiere a Roma con il team [[Julio Lafuente]], [[Pietro Cascella]], [[Andrea Cascella]] (gli altri erano: primo gruppo di Varsavia con [[Oskar Hansen]], [[Jerzy Jarnuszkiewicz]], [[Julian Pałka]], [[Lechosław Rosiński]], [[Edmund Kupiecki]], [[Zofia Hansen]], [[Tadeusz Plasota]]; secondo gruppo di Varsavia con [[Alina Szapocznikow]], [[Jerzy Chudzik]], [[Roman Cieslewicz|Roman Cieślewicz]], [[Bolesław Malmurowicz]]; secondo gruppo di Roma con il team [[Maurizio Vitale (architetto)|Maurizio Vitale]], [[Giorgio Simoncini]], [[Tomasso Valle]], [[Pericle Fazzini|Percile Fazzini]]; gruppo di Berlino Ovest con [[Helmut Wolff (architetto)|Helmut Wolff]]; terzo gruppo di Varsavia con [[Andrzej Jan Wróblewski]], [[Andrzej Latos]]). All'inizio degli anni '60 si nota un'ulteriore evoluzione del gusto mascheriniano che affida sempre più la "pelle" - come la definisce l'amico [[Giuseppe Zigaina]] - al calco intrinsecamente drammatico della [[Carso|pietra carsica]]. Lo stesso Mascherini dichiara che con ''Morte in miniera'' (1962) questa propensione all'affidarsi totalmente alle forze della natura è ormai dichiarata, opera dedicata alla tragica vicenda dei [[Disastro di Marcinelle|minatori italiani di Marcinelle]]. Le figure umane diventano sempre più "[[Arte informale|informali]]", perdendo i dettagli umani e ritrovando la non-completezza dei bronzetti etruschi. Pareti rocciose, sassi, cortecce e parti di alberi vengono ricomposti in una nuova configurazione e sostituendo abiti e parti del corpo dei soggetti sempre più catturati in istanti tragici. Lacerazioni, grida e contratture parlano di un pericolo globale. Nei tardi anni '60, ma soprattutto all'inizio degli anni '70, i soggetti vanno incontro a una metamorfosi vegetale-antropomorfica affine al mito di Dafne: volti e corpi che sono inglobati da un arbusto o un albero, trovando assurdamente e finalmente una pace ora che non sono più formalmente umani. Soprattutto dopo il 1968 si nota come la pelle carsica diventi più protagonista del soggetto stesso, ora quasi mero pretesto. Se prima i movimenti umani e quelli vegetali trovavano un ritmo comune, l'artista sembra adesso più interessato al movimento del ramo cresciuto in condizioni difficili sopra il Carso, modificato dalle condizioni atmosferiche uniche della zona. Nascono di getto, tra il 1972 e il 1974, i ''Fiori'' (circa quaranta esemplari), ultimo grande "periodo" dove la figura umana è totalmente allontanata e rifiutata. Si tratta di organismi vegetali primordiali, forme di vita così lontane dall'epoca attuale da diventare quasi fantascientifici: un secondo testamento mascheriniano dopo quello prettamente "acrobatico". L'operazione potrebbe ricordare i readymade di duchampiana memoria o l'[[arte povera]] che sta prendendo piede tra i nuovi movimenti giovanili. Difficile affermare dove e come l'artista triestino abbia trovato ispirazione, probabilmente nelle lunghe passeggiate vicino al suo atelier di Sistiana e che riportano a una "sopravvivenza della natura" più che dell'antico. Sassi, rami (spezzati, segati) sono ricomposti - come un poeta farebbe con le strofe dice Alfonso Gatto - in una sorta di "pacifica" e muta foresta da VII Cerchio dantesco.

== Sodalizi maturi ==