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Rhythm and blues

genere musicale
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Il rhythm and blues, spesso abbreviato in R&B o RnB oppure RandB , è un genere musicale di musica popolare che ha avuto origine nelle comunità afroamericane negli anni '40. Il termine è stato originariamente utilizzato dalle case discografiche per descrivere le registrazioni commercializzate prevalentemente agli afroamericani, in un momento in cui "una musica dondolante e proveniente dal jazz [...] con un ritmo pesante e incessante" stava diventando sempre più popolare. Nel ritmo commerciale e nella musica blues tipica degli anni '50 fino agli anni '70, le band di solito erano composte da un piano, una o due chitarre, bassi, tamburi, uno o più sassofoni e talvolta da cori di fondo. Temi lirici R&B spesso condensavano la storia e l'esperienza del dolore e la ricerca afro-americana della libertà e della gioia, nonché trionfi e fallimenti in termini di razzismo sociale, oppressione, relazioni, economia e aspirazioni.

Rhythm and blues
Origini stilisticheJump blues
Boogie-woogie
Gospel
Origini culturalifine anni quaranta
Strumenti tipicivoce, ottoni, piano, chitarra, basso, sassofono, batteria
Popolaritàmolto popolare dagli anni cinquanta agli anni settanta
Sottogeneri
Early R&B - New Orleans R&B - Contemporary R&B - Alternative R&B - Urban - New jack swing - Crunk & B
Generi derivati
Hip hop - Soul - Funk - Urban - Early reggae - Rock and roll - Electric blues
Generi correlati
Pop - Rock and roll - Jazz - Ska - Doo-wop

Il termine "Rhythm and Blues" ha subito numerosi cambiamenti di significato. All'inizio degli anni '50, veniva spesso applicato ai dischi blues. A partire dalla metà degli anni '50, dopo che questo stile di musica aveva contribuito allo sviluppo del rock and roll, il termine "R&B" fu usato in un contesto più ampio. Si riferiva a stili musicali che erano evoluti incorporando il Blues elettrico, nonché musica gospel e soul. Dagli anni '60 agli anni '70, alcuni gruppi britannici furono indicati e promossi come progetti R&B. Negli anni '70, il termine "Rhythm and Blues" era cambiato di nuovo ed era usato come termine generale per il soul e il funk.

Alla fine degli anni '80, si sviluppò uno stile più nuovo di R&B, diventando noto come "R&B contemporaneo". Questa forma contemporanea combina rhythm and blues con vari elementi di musica pop, soul, funk, musica disco, hip hop e musica elettronica.

Etimologia, definizione e stile

 
Big Joe Turner nel salotto di casa propria in una foto del 1941

Sebbene il termine "Rhythm and Blues" come termine musicale sia attribuito a Jerry Wexler che lo usò nella rivista Billboard nel 1948[1], il termine era già stato usato in Billboard già nel 1943[2][3]. Tuttavia, il primo elenco di canzoni popolari tra gli afroamericani fu chiamato Harlem Hit Parade; Creato nel 1942, elencava i "dischi più popolari di Harlem", ed era il predecessore della RnB chart del Billboard[4]. "Rhythm and Blues" ha sostituito il termine allora comune race music ("musica da razza"), un termine coniato dal produttore di Okeh Ralph Peer basato sulla autodescrizione comune che gli afroamericani facevano di se stessi come "People of Race" ("gente di razza")[5][6]. Il termine "rhythm and blues" fu quindi utilizzato da Billboard nelle sue classifiche dal giugno 1949 fino all'agosto 1969, quando la sua "Hot Rhythm & Blues Singles" è stata ribattezzata "Best Selling Soul Singles"[7]. Prima che fosse istituito il nome "Rhythm and Blues", varie case discografiche avevano già iniziato a sostituire il termine "race music"" con il termine "sepia series"[8]. "Rhythm and Blues" è spesso abbreviato come "R & B" o "R'n'b"[9].

All'inizio degli anni '50, il termine "Rhythm & Blues" veniva spesso applicato ai dischi blues[10]. Lo scrittore e produttore Robert Palmer ha definito Rhythm & Blues come "un termine pigliatutto che si riferisce a qualsiasi musica fatta da e per i neri americani"[11]. Palmer ha anche usato il termine "R&B" come sinonimo di Jump Blues[12]. Tuttavia, Allmusic distingue l'R&B dal Jump Blues per le più forti influenze del Vangelo" del primo[13]. Lawrence Cohn, autore di Nothing but the Blues, scrive che il "rhythm and blues" era un termine ombrello inventato per comodità del settore. Secondo lui, il termine ha abbracciato tutta la musica nera tranne la musica classica e la musica religiosa, a meno che un gospel (che letteralmente significa Vangelo) non vendesse abbastanza da entrare nelle classifiche[5].

 
Louis Jordan in New York City, ca. July 1946

Nel rhythm and blues commerciale del periodo '50-'70, le band erano solitamente composte da pianoforte, una o due chitarre, basso, batteria e sassofono. Gli arrangiamenti venivano provati fino al punto di risultare naturali e talvolta erano accompagnati da coristi. Semplici parti ripetitive si mescolavano, creando slancio e interazione ritmica che producevano trame morbide, cadenzate e spesso ipnotiche, senza richiamare l'attenzione su alcun suono individuale. Mentre i cantanti erano emotivamente coinvolti dai testi, spesso intensamente, rimanevano calmi, rilassati e mantenevano il controllo. Le band si vestivano in abiti eleganti ed adottavano persino uniformi, una pratica associata alla moderna musica popolare che gli artisti rhythm and blues aspiravano a dominare. I testi spesso sembravano fatalistici e la musica in genere seguiva schemi prevedibili di accordi e struttura[14]. I temi lirici R&B spesso racchiudono l'esperienza afroamericana del dolore e la ricerca di libertà e gioia[15], così come trionfi e fallimenti in termini di relazioni, economia e aspirazioni.

Una pubblicazione dello Smithsonian Institution ha fornito questa breve spiegazione delle origini del genere nel 2016:

«Una musica spiccatamente afroamericana che trae spunto dai profondi affluenti di questa cultura espressiva in una amalgama di jump blues, big band swing, gospel, boogie e blues, inizialmente sviluppato durante un periodo di trent'anni che abbraccia l'era della segregazione razziale legalmente sancita, dei conflitti internazionali e della lotta per i diritti civili[16]»

La Rock & Roll Hall of Fame individua alcuni degli ideatori del rhythm and blues nella big band di Joe Turner, i Tympany Five di Louis Jordan, James Brown e LaVern Baker. Questa fonte afferma che "Louis Jordan si unì a Turner nel gettare le basi dell'R&B negli anni '40, incidendo un capolavoro di rhythm & blues swingante dopo l'altro". Altri artisti che furono "pietre miliari dell'R&B e della sua trasformazione in rock & roll" includono Etta James, Fats Domino, Roy Brown, Little Richard e Ruth Brown. Anche i gruppi "doo wop" erano degni di nota, tra cui the Orioles, the Ravens e the Dominoes[17].

Il termine "rock and roll" aveva una forte connotazione sessuale nel jump blues e nell'R&B, ma quando il DJ Alan Freed si riferì al rock and roll nelle radio mainstream a metà degli anni '50, "la componente sessuale era stata attenuata al punto che divenne semplicemente un termine accettabile per indicare il ballo"[18].

Storia

Precursori

La grande migrazione afroamericana verso i centri industriali urbani di Chicago, Detroit, New York City, Los Angeles, Washington D.C. e altrove negli anni '20 e '30 creò un nuovo mercato per il jazz, il blues e generi musicali correlati. Questi generi musicali erano spesso eseguiti da musicisti a tempo pieno, che lavoravano da soli o in piccoli gruppi. I precursori del rhythm and blues provenivano dal jazz e dal blues, che si sovrapponevano alla fine degli anni '20 e '30 attraverso il lavoro di musicisti come gli Harlem Hamfats, con il loro successo del 1936 "Oh Red", così come Lonnie Johnson, Leroy Carr, Cab Calloway, Count Basie e T-Bone Walker. C'era anche una crescente enfasi sulla chitarra elettrica come strumento solista, così come sul pianoforte e sul sassofono[19].

I tardi anni '40

 
Roy Brown in una foto del 1949

Il R&B nacque nelle comunità afroamericane degli anni '40[20]. Nel 1948 la RCA Victor stava commercializzando la musica nera sotto il nome di "Blues and Rhythm". Nello stesso anno Louis Jordan dominava tra i primi 5 posti della classifica R&B con tre canzoni, con le altre due che erano composte proprio su quel ritmo boogie-woogie che era stato dominante negli anni '40[21]. La band di Jordan, che si chiamava Tympany Five e fu fondata nel 1938, era composta da lui al sassofono e voce, e poi tromba, sax tenore, pianoforte, contrabbasso e batteria[22][23]. Lawrence Cohn descrisse la musica come "più grintoso del suo boogie-era jazz-tinged blues"[5]. Robert Palmer la descriveva come "musica urbana, a dondolo, con origini jazz ... [con una] battuta pesante ed incessante"[24] La musica di Jordan, insieme a quella di Big Joe Turner, Roy Brown, Billy Wright e Wynonie Harris, è ora anche definita Jump Blues. Già Paul Gayten, Roy Brown e altri avevano avuto hit con questo stile. Nel 1948, il remake di Wynonie Harris della registrazione di "Good Rockin 'Tonight" di Brown del 1947 raggiunse il numero due nelle classifiche, in seguito a "Long Gone" del leader della band Sonny Thompson al numero uno[25][26].

Nel 1949, il termine "Rhythm and Blues" (R&B) ha sostituito la categoria "Billboard Harlem Hit Parade"[5]. Sempre in quell'anno, "The Huckle-Buck", registrato dal leader e sassofonista della band Paul Williams, era la melodia R&B numero uno, rimanendo in cima alle classifiche per quasi tutto l'anno. Scritto dal musicista e arrangiatore Andy Gibson, la canzone è stata descritta come un "sporco boogie" perché era osceno e volgare[27]. I concerti di Paul Williams and His Hucklebuckers' erano tumultuosi e sudati e furono interrotti in più di un'occasione. I loro testi, composti da Roy Alfred (in seguito co-autore del successo del 1955 "(The) Rock and Roll Waltz"), erano sessualmente allusivi e un adolescente di Filadelfia disse "che Hucklebuck era una danza molto nociva"[28][29]. Sempre nel 1949, una nuova versione di una canzone blues degli anni '20, "Ain't Nobod's Business" fu un successo numero quattro per Jimmy Witherspoon, e Louis Jordan & The Tympany Five fecero ancora una volta i primi cinque posti con "Saturday Night Frivy"[30]. Molti di questi dischi di successo furono rilasciati su nuove etichette discografiche indipendenti, come Savoy (fondata nel 1942), King (fondata 1943), Imperial (fondata 1945), Specialty (fondata 1946), Chess (fondata 1947) e Atlantic (fondata nel 1948 (fondata nel 1948 (fondata nel 1948 )[19].

Le influenze afro-cubane

 
Una locandina per un concerto di Ruth Brown al Mambo club (1957)

La musica afroamericana iniziò a incorporare motivi ritmici afro-cubani nel 1800 con la popolarità della contradanza cubana (conosciuta al di fuori di Cuba come habanera)[31]. Il ritmo Habanera può essere pensato come una combinazione di Tresillo e Backbeat.

 
The habanera rhythm shown as tresillo (lower notes) with the backbeat (upper note).

Per più di un quarto di secolo in cui si formarono e si svilupparono il cakewalk, il [[ragtime] e il proto-jazz, il genere cubano habanera esercitò un'influenza costante nella musica popolare afroamericana[32]. Il pioniere del jazz Jelly Roll Morton considerava il ritmo tresillo/habanera (che chiamava la sfumatura spagnola) un ingrediente essenziale del jazz[33]. Ci sono esempi di ritmi simili al tresillo in alcuni tipi di musica folklorica afroamericana, come negli schemi di battiti di mani e colpi di piede nel ring shout, nella musica di tamburi e pifferi del dopoguerra civile e nella musica di seconda linea di New Orleans. Wynton Marsalis considera il tresillo la "clave" di New Orleans (sebbene tecnicamente lo schema sia solo mezza clave)[34]. Il tresillo è la cellula ritmica a doppio impulso più basilare nelle tradizioni musicali dell'Africa sub-sahariana e il suo utilizzo nella musica afroamericana è uno degli esempi più chiari di resilienza ritmica africana negli Stati Uniti[35]. L'uso del tresillo fu continuamente rafforzato dalle ondate consecutive di musica cubana, che furono adottate nella cultura popolare nordamericana. Nel 1940 Bob Zurke pubblicò "Rhumboogie", un boogie-woogie con una linea di basso tresillo e testi che dichiaravano con orgoglio l'adozione del ritmo cubano:

«Harlem ha un nuovo ritmo, amico, che sta bruciando le piste da ballo perché è così bollente! Hanno preso un po' di ritmo rhumba e ci hanno aggiunto del boogie-woogie e ora guarda cosa hanno ottenuto! Rhumboogie, è la nuova creazione di Harlem con il sincopato cubana, è micidiale! Basta piantare entrambi i piedi su ogni lato. Lascia che entrambi i fianchi e le spalle scivolino. Poi butta indietro il corpo e cavalca. Non c'è niente come rhumbaoogie, rhumboogie, boogie-woogie. Ad Harlem o all'Avana, puoi baciare la vecchia Savannah. È micidiale![36]»
 
Dave Bartholomew nel 1962 ad Amsterdam durate un tour europeo di Fats Domino

Sebbene originario della metropoli alla foce del fiume Mississippi, il blues di New Orleans, con i suoi tratti ritmici afro-caraibici, è distinto dal suono del Delta blues tipico del Delta del Mississippi[37]. Alla fine degli anni '40, proprio nel periodo in cui l'R&B si stava formando, i musicisti di New Orleans erano particolarmente ricettivi alle influenze cubane[38]. Il primo utilizzo del tresillo nell'R&B è avvenuto a New Orleans. Robert Palmer ricorda:

«Il produttore e direttore d'orchestra di New Orleans Dave Bartholomew utilizzò per la prima volta questa figura (come riff della sezione sassofoni) nel suo disco del 1949 "Country Boy" e in seguito contribuì a renderla il pattern ritmico più abusato nel rock 'n' roll degli anni '50. In numerose registrazioni di Fats Domino, Little Richard e altri, Bartholomew assegnò questo pattern ripetuto di tre note non solo al basso, ma anche alle chitarre elettriche e persino al sax baritono, creando un basso molto pesante. Ricorda di aver sentito per la prima volta la figura, come pattern di basso su un disco cubano.»

In un'intervista del 1988 con Palmer, Bartholomew (che aveva la prima band R&B da studio),[42] rivelò come inizialmente sovrappose il tresillo al ritmo swing:

«Ho sentito il basso suonare quella parte su un disco di "rumba". Su "Country Boy" avevo il basso e la batteria che suonavano un ritmo swing diretto e ho scritto quella parte di basso "rumba" per i sassofoni da suonare sopra il ritmo swing. Più tardi, soprattutto dopo l'avvento del rock 'n' roll, ho reso la parte di basso "rumba" sempre più pesante. Avrei avuto il contrabbasso, una chitarra elettrica e un baritono tutti all'unisono[39].»
 
Fats Domino in 1962 ad Amsterdam durate un tour europeo

L'utilizzo delle ritmiche cubane diviene così una pratica comune di quel tempo. "Blue Monday" di Fats Domino, prodotto da Bartholomew, è un altro esempio di questo uso ormai divenuto classico del tresillo nel R&B. "OH Cubanas" di Bartholomew del 1949 è un tentativo di fondere la musica afroamericana e afro-cubana. La parola "Mambo", più grande di qualsiasi altro testo, è posizionata in modo preponderante sull'etichetta dei dischi. Nella sua composizione "Misery", Professor Longhair, pianista di New Orleans, interpreta una figura simile a Habanera nella mano sinistra[40]. L'uso abile delle terzine è una caratteristica dello stile di Longhair.

 

Gerhard Kubik nota che, ad eccezione di New Orleans, i primi blues mancavano di complesstà poliritmica e c'era una "assenza molto specifica di modelli di linea temporale asimmetrici (modelli di chiave) in praticamente tutta la musica afroamericana dei primi del ventesimo secolo... solo in alcuni generi di New Orleans appare occasionalmente un accenno di semplici modelli di linea temporale sotto forma di cosiddetti modelli transitori 'stomp' o cori stop-time. Questi non funzionano allo stesso modo delle linee temporali africane"[41]. Alla fine degli anni '40, questo cambiò un po' quando fu introdotta nel blues la struttura della linea temporale a due celle. Musicisti di New Orleans come Bartholomew e Longhair incorporarono strumenti cubani, così come il modello clave e figure bicellule correlate in canzoni come "Carnival Day" (Bartholomew 1949) e "Mardi Gras In New Orleans" (Longhair 1949). Sebbene alcuni di questi primi esperimenti fossero delle fusioni poco convincenti, alla fine gli elementi afro-cubani vennero pienamente integrati nel sound di New Orleans.

 
Professor Longhair in una foto del 1975

Robert Palmer riporta che, negli anni '40, il professore Longhair ascoltava e suonava con musicisti delle isole e "cadde sotto l'incantesimo dei dischi di mambo di Perez Prado"[42]. Era particolarmente innamorato della musica afro-cubana. Michael Campbell afferma: "L'influenza del professor Longhair fu ... di vasta portata. In molte delle sue prime registrazioni, il professor Longhair mescolò ritmi afro-cubani con rhythm and blues. La più esplicita è Longhair's Blues Rhumba, dove sovrappone un blues semplice con un ritmo clave»[43]. Lo stile particolare di Longhair era conosciuto localmente come rumba-boogie[44]. Nel suo "Mardi Gras in New Orleans", il pianista impiega il motivo 2–3 clave onbeat/offbeat in un rumba boogie "guajeo"[45].

 
Piano dalla rumba boogie "Mardi Gras in New Orleans" (1949) del Professor Longhair. 2–3 clave sono scritte tra le referenze ritmiche.

La sensazione di suddivisione sincopata ma diretta della musica cubana (al contrario delle suddivisioni swing) prese piede nel R&B di New Orleans in questo periodo. Alexander Stewart afferma che questo sentimento popolare fu trasmesso da "New Orleans, attraverso la musica di James Brown, alla musica popolare degli anni '70", aggiungendo: "Lo stile singolare del rhythm & blues scaturito da New Orleans negli anni successivi alla seconda guerra mondiale ha svolto un ruolo importante nello sviluppo del funk. In uno sviluppo correlato, i ritmi sottostanti della musica popolare americana hanno subito una transizione di base, anche se generalmente non riconosciuta, da una sensazione di terzine o shuffle a ottavi pari o dritti"[46]. Per quanto riguarda i vari motivi funk, Stewart afferma che questo modello "... è diverso da una linea temporale (come clave e tresillo) in quanto non è uno schema esatto, ma più un principio organizzativo flessibile."[47]

Johnny Otis pubblicò il mambo R&B "Mambo Boogie" nel gennaio 1951, mettendo assieme congas, maracas, claves e sassofono mambo guajeos in una progressione blues[48]. Ike Turner registrò "Cubano Jump" (1954) uno strumentale di chitarra elettrica, che è costruito attorno a diverse figure di 2-3 clave, adottate dal mambo. The Hawketts, in "Mardi Gras Mambo" (1955) (con la voce di un giovane Art Neville), fanno un chiaro riferimento a Perez Prado nell'uso del suo marchio di fabbrica "Unhh!" nella pausa dopo l'introduzione[49].

Ned Sublette afferma: "I musicisti del blues elettrico erano pienamente consapevoli della musica latina, e c'era sicuramente qualcosa come il rhumba blues; puoi sentire Muddy Waters e Howlin' Wolf suonarlo."[50] Cita anche Otis Rush, Ike Turner e Ray Charles, come artisti R&B che hanno utilizzato questo stile[50].

 
Bo Diddley in una foto del 1957

L'uso della clave nell'R&B coincise con il crescente predominio del "backbeat" e con la crescente popolarità della musica cubana negli Stati Uniti. In un certo senso, la clave può essere ridotta a tresillo (tre lati) a cui risponde il backbeat (due lati)[51].

 
3–2 clave written in two measures in cut-time
 
Tresillo answered by the backbeat, the essence of clave in African American music

Il "Bo Diddley beat" (1955) è forse la prima vera fusione di 3–2 clave e R&B/rock 'n' roll. Bo Diddley ha fornito diversi resoconti sulle origini del riff. Sublette afferma: "Nel contesto del tempo, e in particolare di quelle maracas [ascoltate sul disco], 'Bo Diddley' deve essere inteso come un disco con venature latine. Un taglio scartato registrato nella stessa sessione era intitolato solo 'Rhumba' sui fogli delle tracce"[50]. "Willie and the Hand Jive" (1958) di Johnny Otis è un altro esempio di questa riuscita miscela di 3–2 claves e R&B. Otis ha qui utilizzato gli strumenti cubani claves e maracas.

La musica afro-cubana è stata il canale attraverso cui la musica afroamericana è stata "ri-africanizzata", attraverso l'adozione di figure a due celle come la clave e strumenti afro-cubani come il tamburo conga, i bongo, le maracas e le clave. Secondo John Storm Roberts, l'R&B è diventato il veicolo per il ritorno degli elementi cubani nella musica di massa[52]. Ahmet Ertegun, produttore per la Atlantic Records, avrebbe affermato che "i ritmi afro-cubani hanno aggiunto colore ed eccitazione alla spinta di base dell'R&B"[53]. Come sottolinea Ned Sublette: "Negli anni '60, con Cuba oggetto di un embargo degli Stati Uniti che rimane ancora in vigore oggi, la nazione insulare era stata dimenticata come fonte musicale. Quando le persone hanno iniziato a parlare del rock and roll come di qualcosa che aveva una storia, la musica cubana era scomparsa dalla coscienza collettiva nordamericana"[54]

La prima metà dei '50

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La seconda metà dei '50

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Gli anni '60 e '70

Negli anni sessanta il rhythm and blues passò di moda per essere rimpiazzato da altre espressioni musicali (come ad esempio il soul). È tuttavia ritornato in auge da prima con il contemporary R&B a partire dagli anni ottanta e poi con l'alternative R&B nel 2010.

Note

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  2. ^ Night Club Reviews Billboard February 27, 1943, p. 12
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    «its meaning covering both sex and dancing»
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Bibliografia

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